Del Teatro...y sus "Secretos"

"Hoy podría responder que aprendí que hay acción en la espera y espera en la acción, que la diferencia entre espera y acción en la vida existe sólo para los ciegos, y , en el teatro sólo para el espectador apresurado. Aprendí a "ver", apenetrar más allá de la superficie, a escrutar para llegar al fondo, a concentrarme para reconocer lo esencial y distinguir lo superfluo de lo necesario."

Eugenio Barba en La Tierra de Cenizas y Diamantes

Las emociones anidan en tu alma, el Arte puede ayudar a dejarlas volar!

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«...las emociones son algo tan fuerte que se trabaja sin darse cuenta de ello... y las pinceladas adquieren una ilación y coherencia como las palabras en
una oración o en una carta».
Vincent Van Gogh (1853-1890)en Cartas a Théo
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Las emociones que vives...van anidando en tu alma...
hasta que necesitan volar...ayudalas...

Link relacionados:
http://www.theartwolf.com/exhibitions/van-gogh-thyssen.htm
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=396
http://www.vggallery.com/painting/main_se.htm

Poesía

"Nacida en el silencio y la soledad del ser,
desprendida del oido y la vision, la poesía nos parece, pues, el primer fenómeno
de la voluntad estética humana"

Gaston Bachelard en El aire y los sueños

El "bien" del silencio...

"La audición no permite soñar las imágenes con
profundidad. Yo he pensado siempre que un modesto lector saboreaba mejor los
poemas copiándolos que recitándolos. Pluma en mano se tiene alguna oprtunidad de
borrar el injusto privilegio de las sonoridades, se aprende a revivir la más
vasta de las integraciones, la del sueño y la del significado, dejando al sueño
tiempo de hallar su signo, de formar lentamente su significación."

Gaston Bachelard en El aire y lo sueños

El domingo 17 de enero de 2010 en su Blog Escritos para despertar, Christian dijo:




Palabras en el silencio


¿Han caminando alguna vez por una calle sumergido en la profundidad de sus pensamientos, por alguna decisión que tienen que tomar o una tarea que resolver, y al voltear en la esquina, verse sorprendidos de pronto por la bulla de la avenida y el sonido de los carros pasando a toda velocidad o la tensa quietud del tráfico con los motores de los carros esperando la señal para avanzar?



Cierto: si llevas tus audífonos puestos, estos sonidos pasarán desapercibidos. Hay personas que los llevan puestos todo el tiempo para evitar la contaminación sonora de la ciudad. Como cuando intentas descansar y escuchas las cornetas de los heladeros, la música a todo volumen de tu vecino que se puso a limpiar o la música del vecino que se le ocurre lavar su carro con el volumen de su radio en alto. La misma bulla de la tv que forma parte de este desorden de sonidos.



Y sin embargo todo pasa de pronto a un segundo plano cuando entras en el silencio, cuando te sumerges en él. Lograr esa concentración es difícil, sobretodo cuando careces de los audífonos y entra un nuevo sonido perturbante en tu espectro que te toca, como el fuerte quejido de una niña haciendo berrinche o de su madre azotándola con la voz, o como una música que no deseas escuchar porque mueve cosas en ti que te desagradan. Pero esto solo es porque las atendiste. Si atiendes lo agradable, tu percepción vuelve a captar el silencio y a entrar en él. Es como si te botaran por una puerta, pero consigues volver a entrar por otra. El silencio siempre está ahí aún en medio de la bulla. Y a veces es necesario ponerse unos audífonos para volver a entrar en él.



Gaston Bachelard en "El aire y lo sueños" dice que la audición no permite soñar las imágenes con profundidad, que un lector saborea mejor los poemas copiándolos que recitándolos.



O simplemente -añado- leyendo en silencio, dejando escuchar la voz interior. Sin el silencio, las palabras cargadas de un sentimiento o de una emoción, son solo forzadas, vacías.



Porque el silencio es más que la palabra, es como el mar que las contiene.



En el teatro nos enseñan a aprender el texto, primero desprovisto de toda emoción. Luego, conforme vamos entrando al mundo del personaje, vamos integrando su sueño y su significado en un silencio que se intersecta con el nuestro para poder interpretar el papel. Sin eso solo sería una interpretación de nuestro propio silencio, de nuestra propia emoción y no la del personaje. El personaje adquiere realidad cuando ocurre esta intersección. Entonces ya no eres tú actuándolo, eres el personaje que está vivo. Y lo que das al público no es solo el mundo y el punto de vista del personaje sino también el tuyo propio, el que escogiste para interpretarlo a él y a la vez el que fue guiado por el trabajo del director quien también quiso transmitir su punto de vista de la obra a partir del punto de vista del dramaturgo que la escribió. Todo es una cadena de interpretaciones y de silencios. Y los actores necesitan del silencio para encontrar al personaje. Lograrlo es todo un proceso y también un logro para cualquier actor, sea cual sea el papel que representa y sin importar la cantidad de texto que tenga que decir.



Imaginen ahora una actriz que carece del sentido del oído. ¿Ustedes creen que eso impide que se conecte con el personaje que quiere representar? Imaginemos que no es una actriz. ¿De donde brotan sus palabras cuando dice "te amo"? ¿Acaso creen que no son capaces de amar?



La sordera siempre ha sido metáfora de cosas negativas. Sin embargo la sordera no remite al silencio sino a un exceso de sonido que nos deja sordos. El reto está en escuchar más allá de la distorsión. Cuando lo haces puedes llegar a captar la melodía de la vida.

“Monet sólo es una mirada, ¡pero qué mirada!”

...decía Cézanne.

“Monet sólo es una mirada, ¡pero qué mirada!”, decía Cézanne. Su mirada estaba enferma y apunto estuvo de llevarle a la ceguera, en la misma época en la que trabajaba en la serie de nenúfares, mítica obra maestra del Impresionismo, que el artista regaló a Francia en 1918 para celebrar la victoria gala tras la Primera Guerra Mundial.

(...)Monet (1840-1926) ganó la batalla a las cataratas, una terrible discapacidad visual que le obligó a modificar su paleta para plasmar en la tela momentos precisos dentro de sus condiciones de visión.

Claude Monet se mudó a Giverny en 1883, donde empezó a cultivar todas las variedades existentes de nenúfares- entre ellos nenúfares blancos o “lunas de agua” que inspiraron su famosa serie Nenúfares de 1914 a 1926- en un “jardín de agua” atravesado por un “puente japonés”. Tras el armisticio del 11 de noviembre de 1918 escribió a su amigo Georges Clemenceau, entonces primer ministro: “Estoy a punto de acabar dos paneles decorativos que me gustaría firmar el día de la victoria y regalárselos al Estado. Es poco, pero es la única forma que tengo de participar en la alegría colectiva”.
Clemenceau visitó Giverny y propuso a Monet instalar sus Nenúfares en la Orangerie de las Tullerías, a orillas del Sena, un lugar privilegiado para este pintor que veneró la naturaleza durante toda su vida. Monet quería regalar a Francia un conjunto decorativo de ocho composiciones murales inmensas que tenía previsto instalar en dos salas de forma elíptica bañadas con luz natural. Sobre 22 paneles de 2 metros de alto y cerca de 100 metros de largo se desarrollaría un paisaje de agua jalonado de nenúfares, ramas y sauces, reflejos de árboles y nubes, que darían al visitante “la impresión de mirar un todo sin fin, una onda sin horizonte ni orilla”.
Monet, que por entonces ya se había hecho construir un nuevo taller en Giverny, trabajó sin descanso para terminar su regalo histórico a Francia. Pero en 1912, con 72 años de edad, empezó a sentir los primeros ataques de cataratas, dándose cuenta de que había perdido la visión de su ojo derecho. Un especialista diagnosticó una catarata bilateral, más pronunciada en el ojo derecho que en el izquierdo, que empañaba su visión de los colores - un drama para este enamorado de la luz y del color. Monet rechazó operarse, como le aconsejaba su amigo Clemenceau, temiendo que la intervención le dejara ciego o alterara su percepción de los colores. Sólo en 1923, cuando su ojo izquierdo estaba tan débil que apenas podía leer ni escribir, aceptó la operación, que resultó todo un éxito. Así, logró terminar su serie de Nenúfares, a la que dedicó los últimos veinte años de su vida, pero nunca llegó a ver su museo, un lugar mágico que el pintor André Masson llamaría “la Capilla Sixtina del Impresionismo” y que fue inaugurada en mayo de 1927, pocos meses después de la muerte de Monet, el 5 de diciembre de 1926.

La artista estadounidense Lilla Vabot Perry, que pasó diez veranos en Giverny, cuenta que Monet, vecino del que además fue alumna, “habría querido nacer ciego y haber recobrado la vista de golpe, empezar a pintar ignorando todo de los objetos situados ante él. La primera mirada hacia el motivo, decía, era siempre la más auténtica, la más fiel”.

En el apasionante catálogo de la exposición, el doctor Philippe Lanthony, oftalmólogo especializado en la patología de la visión del color, explica que “Claude Monet decía que quería tener una mirada del mundo lo más nueva posible. Decía que no pintaba una hoja, pintaba la mancha verde que veía, sin preocuparse de saber si era una hoja ni el árbol en el que se encontraba (...). Separaba desde el principio la información sobre el color de aquella sobre la forma y sobre la situación espacial. Ahora bien, las investigaciones de la neurofisiología moderna han demostrado que este proceso es exactamente el mismo que realiza el aparato visual”.
Antes de la operación, Monet ya no percibía los colores con la misma intensidad (“los rojos me aparecen borrosos”) y le costaba reconocer sus tubos de colores, fiándose sólo de las “etiquetas” y del “orden invariable” que había adoptado “para extender las materias sobre las paletas”. Tampoco percibía los azules.

Tras la operación, se quejaba de ver “un mundo demasiado amarillo, demasiado azul”. Sus gafas especiales, el objeto más emotivo de la muestra junto a su paleta de madera, le fueron recetadas para remediar estos defectos, debidos a “que la retina de un ojo operado de cataratas recibe mucha más luz que la retina de un ojo normal”, según el doctor Anthony, por la ablación del cristalino, que hace de filtro. Los cristales teñidos de las gafas “imitan el color del cristalino sano”.
“Lo que hace mágica la retina de Monet es que a menos de un metro de distancia, en el pelotón de colores o de tonos mezclados, por yuxtaposiciones o superposiciones, en un campo de inextricables mezclas, es capaz de ver la representación del modelo de forma igual de precisa de cerca como de lejos. No se me ocurre otra explicación para que el estado de la retina del pintor se adapte de forma instantánea de punto de vista en punto de vista...”, explicaba Georges Clemenceau, un amigo solícito, aunque no un especialista.

“Observando los nenúfares cada vez más cerca cada año, Monet, como en estado de hipnosis, pasa del espectáculo normalmente inscrito en su campo de visión a un acercamiento que le absorbe; se inclina hacia el estanque, pide que le instalen el caballete a ras del suelo y finalmente olvida el equilibrio, sin que nada ya indique dónde es arriba, el cielo, y abajo, el agua. Ambos se mezclan íntimamente, al igual que Monet y la naturaleza se absorben uno dentro del otro”, explica el historiador René Huygue.

Para explicar mejor esta originalidad de los nenúfares, los comisarios de la exposición han elegido una presentación a ras del suelo de esta obra de Monet (obviamente no se trata de aquellos del museo de la Orangerie, inamovibles en sus salas ovales), obligando a los visitantes, como pretendía el pintor, a inclinarse hacia el agua. Esta presentación anula cualquier perspectiva, tan desarrollada en casi toda la obra de Monet.

“Con los nenúfares vistos de cerca y desde arriba, la distancia y la perspectiva se anulan. La superficie del estanque se hace plana, sin línea de horizonte, que desaparece desde las primeras telas (...). Es un ‘espejo de agua’, sin orientación vertical u horizontal. La mirada ya no está dirigida (...). Narciso ya no se ve en el espejo. Tampoco está sobre el espejo, sino dentro. Se ha transformado en nenúfar”, señala Jacques-Louis Binet, secretario histórico de la Academia Nacional de Medicina.

Los colores también participan en esta transformación del espacio, ya que la paleta de Monet también ha sufrido una transformación. “Cuanto más contraste de colores, más reflejo de pinceladas. Grandes espacios casi monocromos de colores fluidos pero próximos dentro del círculo cromático, el verde o el azul a veces teñido de violeta, donde se confunden el agua del estanque con los reflejos del cielo, grandes espacios finalmente bastante oscuros sobre los que se liberan el blanco o el amarillo, a veces el rojo de las flores o de algunos nenúfares, apenas dibujados, sino más bien rodeados, ceñidos, pero proyectando torbellinos de luz...”.

Un pequeño detalle pintoresco: durante toda su brillante carrera de pintor, Claude Monet nunca pintó el arco iris.

Claudine Canetti

http://www.diplomatie.gouv.fr/es/article_imprim.php3?id_article=6777

Otros links relativos al tema:

http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/impresionismo/impresionismo_monet.html

http://www.artehistoria.jcyl.es/ciudades/museos/232.htm

http://www.ciudadluz.net/monum/orangerie2.htm

http://www.galeriaeva.com/grandespintores/impresionistas/moent/index.html