"Ay de mi, [...] cuanto más veo,peor me va a la hora de representar lo que
siento. Me digo: quien dice haber acabado un lienzo es terriblemente orgulloso,
entendiendo por acabar completar la obra, dejarla perfecta."
Claude Monet
Hace 1 semana
domingo 12 de julio de 2009
Monet: El pintor de la Luz...
viernes 3 de julio de 2009
Adios Pina...
... ..
...
...
"Dos chistes, una historia, un sueño. "Esto es un hombre que se presenta ante un director de circo y le pregunta si no necesitaría por casualidad a un imitador de pájaros. -Pues no- responde el director y, entonces, el hombre sale volando por la ventana." Al igual que Jan Minark, Silvia Kesselheim cuenta dos veces su chiste berlines, al principio y al final de "Arien". "Berlin" Un cliente pregunta a un taxista:-Me podría decir cómo se va a la Filarmónica-. Y el taxista responde:- Claro, hombre, es muy fácil: ensayar, ensayar,ensayar.-". "Han ensayado y han conseguido volar durante dos horas", me dice un amigo al finalizar la representacion de "Arien", despertando con sus palabras el recuerdo de otra obra, del mismo sueño. "¿Como te gustaría vivir?", pregunta la Lady Macduff dos veces a su hijo en la parafrasis de "Macbeth" de Pina Bausch. "Como los pajaros"."
De
Historias de Teatro-Danza
Por Raimund Hoghe
miércoles 24 de junio de 2009
"Mis Limites" : ... Mis recursos II
Julia Varley
Actriz del Odin Teatret
"Mi voz personal tiende a temblar, a veces es frágil, timida y da la sensación de estar rota por el llanto, pero no por esto renuncio a ser decidida".
En "Piedras de Agua" p. 78
...
Julia Varley es una de las actrices con uno de los trabajos de voz más desarrollados que he escuchado en mi vida.
En una de sus clases-demostracion, tan tipicas del Odin, cuando van de gira, Julia contó que cuando intentó ingresar a una Escuela de Teatro, en la prueba el director le dijo: "con esa voz temblorosa, JAMAS PODRAS SER ACTRIZ, debe haber otra cosa para Ti.
Pero eso no la detuvo en su busqueda en el maravilloso mundo del TEATRO, por lo que luego comento como gracias al Training pudo sacar provecho de esa limitación. Habiendo previamente decidido "mirar" de otra forma su cualidad de voz. Se dijo a si misma: mi voz temblorosa no me la quita nadie, pero puedo usar eso como recurso...y asi empezó su training vocal...
Algunos de sus trabajos realizados:
Espectáculos en los que participó: La Alfombra Voladora (Actriz), El Hermano Muerto (Actriz), El eco del silencio (actriz), Semillas de memoria (Dramaturgia, Directora).
Autora además de Piedras de Agua y Viento al Oeste.
Link relacionado:
martes 23 de junio de 2009
"Limitaciones"... ¿Limitaciones?
Aqui una prueba motivadora de que "las limitaciones", pueden ser convertidas, vividas y sentidas como un resorte, un punto motivador...para algo realmente trascendente y ejemplificador.
Más alla de estar de acuerdo o no con la linea política...el camino que esta abriendo Oscar Lopez marcará un hito en la historia de Costa Rica y ¿por que no?..del mundo.
Aqui el post publicado por Victor Emilio Granados Calvo
Oscar López Candidato a Presidente
Martes 16 de junio de 2009
El día de hoy Oscar López del Partido accesibilidad sin exclusión PASE, anunció en rueda de prensa, su postulación como candidato a la Presidencia de la República de Costa Rica, convirtiéndose así en el primer no vidente centroamericano que aspira a tan alto cargo, para las elecciones nacionales de 2010.El día de hoy Oscar López del Partido accesibilidad sin exclusión PASE, anunció en rueda de prensa, su postulación como candidato a la Presidencia de la República de Costa Rica, convirtiéndose así en el primer no vidente centroamericano que aspira a tan alto cargo, para las elecciones nacionales de 2010.Oscar López llegó a la Asamblea Legislativa, con una directa vocación de defensa de las personas con discapacidad, los adultos mayores y los menos favorecidos. Miles de costarricenses votaron por él y le reconocen una destacada labor dentro y fuera del Parlamento.Pero Oscar López será un Presidente para todos los sectores; así lo hizo saber con una serie de propuestas que dejó formuladas sobre la crisis financiera, la inseguridad ciudadana y la lucha contra la pobreza –“Me siento completamente seguro de que Costa Rica ya está preparada para ser gobernada por una persona que aprendió a ver la vida, con los ojos del alma” – dijo efusivo.El nuevo candidato junto a parte de sus compañeros del partido no desaprovechó la oportunidad para pedir el voto por los candidatos a diputados del PASE, para exaltar el humanismo político de su grupo de trabajo e insistir en la necesidad de que el Estado retome su papel protagónico como factor generador de solidaridad, equidad y justicia social.
Más alla de estar de acuerdo o no con la linea política...el camino que esta abriendo Oscar Lopez marcará un hito en la historia de Costa Rica y ¿por que no?..del mundo.
Aqui el post publicado por Victor Emilio Granados Calvo
Oscar López Candidato a Presidente
Martes 16 de junio de 2009
El día de hoy Oscar López del Partido accesibilidad sin exclusión PASE, anunció en rueda de prensa, su postulación como candidato a la Presidencia de la República de Costa Rica, convirtiéndose así en el primer no vidente centroamericano que aspira a tan alto cargo, para las elecciones nacionales de 2010.El día de hoy Oscar López del Partido accesibilidad sin exclusión PASE, anunció en rueda de prensa, su postulación como candidato a la Presidencia de la República de Costa Rica, convirtiéndose así en el primer no vidente centroamericano que aspira a tan alto cargo, para las elecciones nacionales de 2010.Oscar López llegó a la Asamblea Legislativa, con una directa vocación de defensa de las personas con discapacidad, los adultos mayores y los menos favorecidos. Miles de costarricenses votaron por él y le reconocen una destacada labor dentro y fuera del Parlamento.Pero Oscar López será un Presidente para todos los sectores; así lo hizo saber con una serie de propuestas que dejó formuladas sobre la crisis financiera, la inseguridad ciudadana y la lucha contra la pobreza –“Me siento completamente seguro de que Costa Rica ya está preparada para ser gobernada por una persona que aprendió a ver la vida, con los ojos del alma” – dijo efusivo.El nuevo candidato junto a parte de sus compañeros del partido no desaprovechó la oportunidad para pedir el voto por los candidatos a diputados del PASE, para exaltar el humanismo político de su grupo de trabajo e insistir en la necesidad de que el Estado retome su papel protagónico como factor generador de solidaridad, equidad y justicia social.
lunes 22 de junio de 2009
Mis "limites"...: ¡Mis Recursos!
...
...
RAUSCHENBERG, Robert
Express, 1963
Óleo sobre lienzo
183 x 305 cm
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
...
"Estoy en el presente.
Busco celebrar el presente
con mis limites
pero
utilizando
todos mis recursos..." *
...
"Algunas imágenes insisten en ser ellas mismas, les hagas lo que les hagas". **
Robert Rauschenberg
* En una entrevista con A. Parinaud el 10 de Mayo de 1961
** http://www.museothyssen.org/thyssen/coleccion/obras_ficha_texto523.html
Más sobre vida y obra de Robert Rauschenberg aqui
miércoles 17 de junio de 2009
El Arte esa mano firme que puede ayudar y ayudarte
Ayudarte a liberar todas esas emociones, que ciertas circunstancias en la vida nos hacen vivir, y que muchas veces no encuentran forma de ser expresadas...lo cual siempre es necesario.
Everlast..estaba por hundirse, debido a su relación con la Música.
Everlast...tiempo despues...es con la música que hace llegar su experiencia de vida.
Es con la música que proyecta su cambio...e invita a los demás, a un cambio hacía una mejor calidad de vida ...
¿Quien es Everlast?
Aquí un poco sobre él y ese transito...mientras el video va cargando...
...
A principios del año 1997 Eric Shrody conocido también como Everlast, abandona HOUSE OF PAIN, uno de los grupos raperos más respetados de la comunidad musical, por aquel entonces.
...
Un año despues Everlast, sufre un infarto. Tras sus crisis cardiaca. Eric decidió aprovechar cada minuto de su vida... el resultado WHITEY FORD THE SINGS BLUES, que tuvo un éxito inesperado.
Aquí... algunas lineas de la entrevista que le hiciera la revista Rock Sound y que fue publicada a fines de mayo de 1999.
¿Me dirías hoy que la música es el gran amor de tu vida, o sencillamente , que la vida en si es tu gran amor...?
Pues sí, lo diría. La vida es mi gran amor. He cambiado el fusil al hombro contrario, eso esta claro. Mi familia y mi vida espiritual son cosas muy importantes. La vida es eso. Y la música en mitad es una forma de celebración de la vida. la gran encrucijada de mi vida fue dejar House of Pain. escogí la felicidad. Y eso si lo pienso con calma, es algo que no era nada fácil en aquella época. Nunca, ni en los momentos más difíciles me arrepentí de mi elección. El éxito no tiene nada que ver con los millones de discos que hayas vendido (...)
(...)No sabía lo que pasaría con ese disco. La verdad me importaba bien poco. Necesitaba jugármela el todo por el todo. Para mí , en el punto donde me encontraba la música sólo podía ser placer en estado puro. Nada más. Necesitaba ver la música girando a mi alrededor y no al contrario ¿comprendes?. Parece un sinsentido expresado así. Pero es algo que lo cambia todo.
(...)Era una manera de decir que el ser humano Eric Shrody era más importante que su música, algo que sigo pensando aun, ahora. Es cuestión de serenidad propia pensar de esta manera en un mundo que gira cada vez más en torno al dinero, a la fama y a la pose. Mi propósito hoy por hoy, es simplemente hacer buena música, algo que me permita sentirme orgulloso en cualquier caso.
(...)Sinceramente, si lo pienso con detenimiento, me da la impresión de que hubiera sido incapaz de hacer este disco cinco años atrás. Mentalmente, psicológicamente, musicalmente...tenía que pasar por lo que he pasado para llegar a "Whitey Ford Sings The Blues" . No me arrepiento de nada, de nada... (...)
(...) A mi alrededor sólo había drama y desolación. Sentía que debía alejarme del music business para cojer otro rumbo. Y salir a flote, porque me estaba hundiendo.
Everlast..estaba por hundirse, debido a su relación con la Música.
Everlast...tiempo despues...es con la música que hace llegar su experiencia de vida.
Es con la música que proyecta su cambio...e invita a los demás, a un cambio hacía una mejor calidad de vida ...
¿Quien es Everlast?
Aquí un poco sobre él y ese transito...mientras el video va cargando...
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A principios del año 1997 Eric Shrody conocido también como Everlast, abandona HOUSE OF PAIN, uno de los grupos raperos más respetados de la comunidad musical, por aquel entonces.
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Un año despues Everlast, sufre un infarto. Tras sus crisis cardiaca. Eric decidió aprovechar cada minuto de su vida... el resultado WHITEY FORD THE SINGS BLUES, que tuvo un éxito inesperado.
Aquí... algunas lineas de la entrevista que le hiciera la revista Rock Sound y que fue publicada a fines de mayo de 1999.
¿Me dirías hoy que la música es el gran amor de tu vida, o sencillamente , que la vida en si es tu gran amor...?
Pues sí, lo diría. La vida es mi gran amor. He cambiado el fusil al hombro contrario, eso esta claro. Mi familia y mi vida espiritual son cosas muy importantes. La vida es eso. Y la música en mitad es una forma de celebración de la vida. la gran encrucijada de mi vida fue dejar House of Pain. escogí la felicidad. Y eso si lo pienso con calma, es algo que no era nada fácil en aquella época. Nunca, ni en los momentos más difíciles me arrepentí de mi elección. El éxito no tiene nada que ver con los millones de discos que hayas vendido (...)
(...)No sabía lo que pasaría con ese disco. La verdad me importaba bien poco. Necesitaba jugármela el todo por el todo. Para mí , en el punto donde me encontraba la música sólo podía ser placer en estado puro. Nada más. Necesitaba ver la música girando a mi alrededor y no al contrario ¿comprendes?. Parece un sinsentido expresado así. Pero es algo que lo cambia todo.
(...)Era una manera de decir que el ser humano Eric Shrody era más importante que su música, algo que sigo pensando aun, ahora. Es cuestión de serenidad propia pensar de esta manera en un mundo que gira cada vez más en torno al dinero, a la fama y a la pose. Mi propósito hoy por hoy, es simplemente hacer buena música, algo que me permita sentirme orgulloso en cualquier caso.
(...)Sinceramente, si lo pienso con detenimiento, me da la impresión de que hubiera sido incapaz de hacer este disco cinco años atrás. Mentalmente, psicológicamente, musicalmente...tenía que pasar por lo que he pasado para llegar a "Whitey Ford Sings The Blues" . No me arrepiento de nada, de nada... (...)
(...) A mi alrededor sólo había drama y desolación. Sentía que debía alejarme del music business para cojer otro rumbo. Y salir a flote, porque me estaba hundiendo.
lunes 18 de mayo de 2009
Del Teatro...y sus "Secretos"
"Hoy podría responder que aprendí que hay acción en la espera y espera en la acción, que la diferencia entre espera y acción en la vida existe sólo para los ciegos, y , en el teatro sólo para el espectador apresurado. Aprendí a "ver", apenetrar más allá de la superficie, a escrutar para llegar al fondo, a concentrarme para reconocer lo esencial y distinguir lo superfluo de lo necesario."
Eugenio Barba en La Tierra de Cenizas y Diamantes
Las emociones anidan en tu alma, el Arte puede ayudar a dejarlas volar!
...
«...las emociones son algo tan fuerte que se trabaja sin darse cuenta de ello... y las pinceladas adquieren una ilación y coherencia como las palabras en
una oración o en una carta».
Vincent Van Gogh (1853-1890)en Cartas a Théo
...
...
Las emociones que vives...van anidando en tu alma...
hasta que necesitan volar...ayudalas...
Link relacionados:
http://www.theartwolf.com/exhibitions/van-gogh-thyssen.htm
domingo 17 de mayo de 2009
Poesía
"Nacida en el silencio y la soledad del ser,
desprendida del oido y la vision, la poesía nos parece, pues, el primer fenómeno
de la voluntad estética humana"
Gaston Bachelard en El aire y los sueños
El "bien" del silencio...
"La audición no permite soñar las imágenes con
profundidad. Yo he pensado siempre que un modesto lector saboreaba mejor los
poemas copiándolos que recitándolos. Pluma en mano se tiene alguna oprtunidad de
borrar el injusto privilegio de las sonoridades, se aprende a revivir la más
vasta de las integraciones, la del sueño y la del significado, dejando al sueño
tiempo de hallar su signo, de formar lentamente su significación."
Gaston Bachelard en El aire y lo sueños
jueves 14 de mayo de 2009
“Monet sólo es una mirada, ¡pero qué mirada!”
...decía Cézanne.
“Monet sólo es una mirada, ¡pero qué mirada!”, decía Cézanne. Su mirada estaba enferma y apunto estuvo de llevarle a la ceguera, en la misma época en la que trabajaba en la serie de nenúfares, mítica obra maestra del Impresionismo, que el artista regaló a Francia en 1918 para celebrar la victoria gala tras la Primera Guerra Mundial.
(...)Monet (1840-1926) ganó la batalla a las cataratas, una terrible discapacidad visual que le obligó a modificar su paleta para plasmar en la tela momentos precisos dentro de sus condiciones de visión.
Claude Monet se mudó a Giverny en 1883, donde empezó a cultivar todas las variedades existentes de nenúfares- entre ellos nenúfares blancos o “lunas de agua” que inspiraron su famosa serie Nenúfares de 1914 a 1926- en un “jardín de agua” atravesado por un “puente japonés”. Tras el armisticio del 11 de noviembre de 1918 escribió a su amigo Georges Clemenceau, entonces primer ministro: “Estoy a punto de acabar dos paneles decorativos que me gustaría firmar el día de la victoria y regalárselos al Estado. Es poco, pero es la única forma que tengo de participar en la alegría colectiva”.
Clemenceau visitó Giverny y propuso a Monet instalar sus Nenúfares en la Orangerie de las Tullerías, a orillas del Sena, un lugar privilegiado para este pintor que veneró la naturaleza durante toda su vida. Monet quería regalar a Francia un conjunto decorativo de ocho composiciones murales inmensas que tenía previsto instalar en dos salas de forma elíptica bañadas con luz natural. Sobre 22 paneles de 2 metros de alto y cerca de 100 metros de largo se desarrollaría un paisaje de agua jalonado de nenúfares, ramas y sauces, reflejos de árboles y nubes, que darían al visitante “la impresión de mirar un todo sin fin, una onda sin horizonte ni orilla”.
Monet, que por entonces ya se había hecho construir un nuevo taller en Giverny, trabajó sin descanso para terminar su regalo histórico a Francia. Pero en 1912, con 72 años de edad, empezó a sentir los primeros ataques de cataratas, dándose cuenta de que había perdido la visión de su ojo derecho. Un especialista diagnosticó una catarata bilateral, más pronunciada en el ojo derecho que en el izquierdo, que empañaba su visión de los colores - un drama para este enamorado de la luz y del color. Monet rechazó operarse, como le aconsejaba su amigo Clemenceau, temiendo que la intervención le dejara ciego o alterara su percepción de los colores. Sólo en 1923, cuando su ojo izquierdo estaba tan débil que apenas podía leer ni escribir, aceptó la operación, que resultó todo un éxito. Así, logró terminar su serie de Nenúfares, a la que dedicó los últimos veinte años de su vida, pero nunca llegó a ver su museo, un lugar mágico que el pintor André Masson llamaría “la Capilla Sixtina del Impresionismo” y que fue inaugurada en mayo de 1927, pocos meses después de la muerte de Monet, el 5 de diciembre de 1926.
Clemenceau visitó Giverny y propuso a Monet instalar sus Nenúfares en la Orangerie de las Tullerías, a orillas del Sena, un lugar privilegiado para este pintor que veneró la naturaleza durante toda su vida. Monet quería regalar a Francia un conjunto decorativo de ocho composiciones murales inmensas que tenía previsto instalar en dos salas de forma elíptica bañadas con luz natural. Sobre 22 paneles de 2 metros de alto y cerca de 100 metros de largo se desarrollaría un paisaje de agua jalonado de nenúfares, ramas y sauces, reflejos de árboles y nubes, que darían al visitante “la impresión de mirar un todo sin fin, una onda sin horizonte ni orilla”.
Monet, que por entonces ya se había hecho construir un nuevo taller en Giverny, trabajó sin descanso para terminar su regalo histórico a Francia. Pero en 1912, con 72 años de edad, empezó a sentir los primeros ataques de cataratas, dándose cuenta de que había perdido la visión de su ojo derecho. Un especialista diagnosticó una catarata bilateral, más pronunciada en el ojo derecho que en el izquierdo, que empañaba su visión de los colores - un drama para este enamorado de la luz y del color. Monet rechazó operarse, como le aconsejaba su amigo Clemenceau, temiendo que la intervención le dejara ciego o alterara su percepción de los colores. Sólo en 1923, cuando su ojo izquierdo estaba tan débil que apenas podía leer ni escribir, aceptó la operación, que resultó todo un éxito. Así, logró terminar su serie de Nenúfares, a la que dedicó los últimos veinte años de su vida, pero nunca llegó a ver su museo, un lugar mágico que el pintor André Masson llamaría “la Capilla Sixtina del Impresionismo” y que fue inaugurada en mayo de 1927, pocos meses después de la muerte de Monet, el 5 de diciembre de 1926.
La artista estadounidense Lilla Vabot Perry, que pasó diez veranos en Giverny, cuenta que Monet, vecino del que además fue alumna, “habría querido nacer ciego y haber recobrado la vista de golpe, empezar a pintar ignorando todo de los objetos situados ante él. La primera mirada hacia el motivo, decía, era siempre la más auténtica, la más fiel”.
En el apasionante catálogo de la exposición, el doctor Philippe Lanthony, oftalmólogo especializado en la patología de la visión del color, explica que “Claude Monet decía que quería tener una mirada del mundo lo más nueva posible. Decía que no pintaba una hoja, pintaba la mancha verde que veía, sin preocuparse de saber si era una hoja ni el árbol en el que se encontraba (...). Separaba desde el principio la información sobre el color de aquella sobre la forma y sobre la situación espacial. Ahora bien, las investigaciones de la neurofisiología moderna han demostrado que este proceso es exactamente el mismo que realiza el aparato visual”.
Antes de la operación, Monet ya no percibía los colores con la misma intensidad (“los rojos me aparecen borrosos”) y le costaba reconocer sus tubos de colores, fiándose sólo de las “etiquetas” y del “orden invariable” que había adoptado “para extender las materias sobre las paletas”. Tampoco percibía los azules.
Tras la operación, se quejaba de ver “un mundo demasiado amarillo, demasiado azul”. Sus gafas especiales, el objeto más emotivo de la muestra junto a su paleta de madera, le fueron recetadas para remediar estos defectos, debidos a “que la retina de un ojo operado de cataratas recibe mucha más luz que la retina de un ojo normal”, según el doctor Anthony, por la ablación del cristalino, que hace de filtro. Los cristales teñidos de las gafas “imitan el color del cristalino sano”.
“Lo que hace mágica la retina de Monet es que a menos de un metro de distancia, en el pelotón de colores o de tonos mezclados, por yuxtaposiciones o superposiciones, en un campo de inextricables mezclas, es capaz de ver la representación del modelo de forma igual de precisa de cerca como de lejos. No se me ocurre otra explicación para que el estado de la retina del pintor se adapte de forma instantánea de punto de vista en punto de vista...”, explicaba Georges Clemenceau, un amigo solícito, aunque no un especialista.
“Observando los nenúfares cada vez más cerca cada año, Monet, como en estado de hipnosis, pasa del espectáculo normalmente inscrito en su campo de visión a un acercamiento que le absorbe; se inclina hacia el estanque, pide que le instalen el caballete a ras del suelo y finalmente olvida el equilibrio, sin que nada ya indique dónde es arriba, el cielo, y abajo, el agua. Ambos se mezclan íntimamente, al igual que Monet y la naturaleza se absorben uno dentro del otro”, explica el historiador René Huygue.
Para explicar mejor esta originalidad de los nenúfares, los comisarios de la exposición han elegido una presentación a ras del suelo de esta obra de Monet (obviamente no se trata de aquellos del museo de la Orangerie, inamovibles en sus salas ovales), obligando a los visitantes, como pretendía el pintor, a inclinarse hacia el agua. Esta presentación anula cualquier perspectiva, tan desarrollada en casi toda la obra de Monet.
“Con los nenúfares vistos de cerca y desde arriba, la distancia y la perspectiva se anulan. La superficie del estanque se hace plana, sin línea de horizonte, que desaparece desde las primeras telas (...). Es un ‘espejo de agua’, sin orientación vertical u horizontal. La mirada ya no está dirigida (...). Narciso ya no se ve en el espejo. Tampoco está sobre el espejo, sino dentro. Se ha transformado en nenúfar”, señala Jacques-Louis Binet, secretario histórico de la Academia Nacional de Medicina.
Los colores también participan en esta transformación del espacio, ya que la paleta de Monet también ha sufrido una transformación. “Cuanto más contraste de colores, más reflejo de pinceladas. Grandes espacios casi monocromos de colores fluidos pero próximos dentro del círculo cromático, el verde o el azul a veces teñido de violeta, donde se confunden el agua del estanque con los reflejos del cielo, grandes espacios finalmente bastante oscuros sobre los que se liberan el blanco o el amarillo, a veces el rojo de las flores o de algunos nenúfares, apenas dibujados, sino más bien rodeados, ceñidos, pero proyectando torbellinos de luz...”.
Un pequeño detalle pintoresco: durante toda su brillante carrera de pintor, Claude Monet nunca pintó el arco iris.
Claudine Canetti
jueves 23 de abril de 2009
Cantos silenciosos...
"Las melodías que se oyen son dulces, pero las que no oimos son más dulces aún; así, tiernos caramillos, tocad siempre, no para el oido sensual, sino aún más seductores, modulad para el espíritu, cantos silenciosos..."
John Keats, Oda a una urna griega
1819
En "Oda a una urna griega", Keats intenta hablar con una urna que descubre en un museo; la urna le responde con las palabras siguientes «la belleza es la verdad, la verdad es belleza, esto es todo... lo que necesitas saber».
El cuerpo de Keats está enterrado en Roma;
sobre su lápida, según quería que fuera su epitafio, se lee
«Aquí yace alguien cuyo nombre fue escrito en agua».
...
sábado 11 de abril de 2009
sábado 28 de marzo de 2009
En la Euforia del Amor se disipó mi Tristeza
Maravilloso texto del libro: Hacia La Música por Amor escrito por Shinichi Suzuki.
Leido por Kris Daza.
Leido por Kris Daza.
...
miércoles 4 de marzo de 2009
Programa de Capacitación Arte y Discapacidad - 2009 .
Declarado de "Interés Educativo"
Resolución 413SE por el Ministerio de Educación, Ciencia y Tecnología de la Nación Argentina .
Un equipo interdisciplinario de artistas docentes y profesionales especializados en discapacidad de la Fundación Artistas Discapacitados con más de diez años de experiencia, brindan las herramientas idóneas para que artistas, profesionales, terapeutas, docentes, estudiantes, asistentes y todo interesados en enriquecer sus conocimientos, puedan abordar y acompañar a las personas con discapacidad, desde las diferentes disciplinas artísticas, ampliando así, todas las posibilidades que brindan éstas.
.. Cronograma
Las Disciplinas se dan en conjunto en forma indivisible, ya que unas aportan a las otras. - Teatro - 28 de Marzo y 4 de Abril -
Música - 18 y 25 de Abril -
Artes Plásticas - 9 y 16 de Mayo -
Área del movimiento - 30 de Mayo y 6 de Junio .
Duración: 8 Sábados de 10 a 13 hs, 2 meses
Sede: Facultad de Derecho -Universidad de Buenos Aires, Aula 212 Av. Figueroa Alcorta 2260, PB, Ciudad de Buenos Aires .
Inscripción: Días hábiles a partir del 5 de Marzo
Facultad de Derecho -UBA, Secretaría de Extensión Universitaria, PB
Informes: 4941-2323 - Fundación Artistas Discapacitados.
Los Certificados los otorga la Facultad de Dercho de la Universidad de Buenos Aires a través de Extension Universitaria y se entregará Material de Consulta.
Más detalles en http://www.arteydiscapacidad.artistas.org.ar/
.FUNDACIÓN ARTISTAS DISCAPACITADOSTel/fax (054) (011) 4941-2323
http://www.fundacion.artistas.org.arfundacion@artistas.org.ar
Resolución 413SE por el Ministerio de Educación, Ciencia y Tecnología de la Nación Argentina .
Un equipo interdisciplinario de artistas docentes y profesionales especializados en discapacidad de la Fundación Artistas Discapacitados con más de diez años de experiencia, brindan las herramientas idóneas para que artistas, profesionales, terapeutas, docentes, estudiantes, asistentes y todo interesados en enriquecer sus conocimientos, puedan abordar y acompañar a las personas con discapacidad, desde las diferentes disciplinas artísticas, ampliando así, todas las posibilidades que brindan éstas.
.. Cronograma
Las Disciplinas se dan en conjunto en forma indivisible, ya que unas aportan a las otras. - Teatro - 28 de Marzo y 4 de Abril -
Música - 18 y 25 de Abril -
Artes Plásticas - 9 y 16 de Mayo -
Área del movimiento - 30 de Mayo y 6 de Junio .
Duración: 8 Sábados de 10 a 13 hs, 2 meses
Sede: Facultad de Derecho -Universidad de Buenos Aires, Aula 212 Av. Figueroa Alcorta 2260, PB, Ciudad de Buenos Aires .
Inscripción: Días hábiles a partir del 5 de Marzo
Facultad de Derecho -UBA, Secretaría de Extensión Universitaria, PB
Informes: 4941-2323 - Fundación Artistas Discapacitados.
Los Certificados los otorga la Facultad de Dercho de la Universidad de Buenos Aires a través de Extension Universitaria y se entregará Material de Consulta.
Más detalles en http://www.arteydiscapacidad.artistas.org.ar/
.FUNDACIÓN ARTISTAS DISCAPACITADOSTel/fax (054) (011) 4941-2323
http://www.fundacion.artistas.org.arfundacion@artistas.org.ar
miércoles 11 de febrero de 2009
Goya
Una lámina del pintor Francisco de Goya (1746-1828) , representa, un alfabeto para sordos que permite reconstruir la historia de este lenguaje en España. Realizada en tinta sepia sobre fondo ocre y titulada "Las cifras de la mano", se muestran en trazo grueso los movimientos de la mano necesarios para expresar otro signo.
La sordera de Goya fue consecuencia de una enfermedad que padeció en 1792. La gravedad del problema lo obligó, por ejemplo, a renunciar a la dirección de pintura de la Real Academia de San Fernando.
La hipoacusia de D. Francisco de Goya continúa siendo, en la actualidad, todo un misterio tanto en sus aspectos diagnósticos, como terapéuticos. Mucho se ha especulado, a la luz de los acontecimientos actuales, cuál pudo ser su verdadera causa. En otros aspectos, la revisión de la obra y la vida del pintor permite deducir que no se recuperó nunca de su sordera.
Para disfrutar más de su obra te invito a visitar una galería virtual donde podras contemplar y leer sobre la obra de Goya en todas su etapas.
http://www.fll.vt.edu/Culture-Civ/Spanish/Taller/200pm/Taller2/etapa2.html
La sordera de Goya fue consecuencia de una enfermedad que padeció en 1792. La gravedad del problema lo obligó, por ejemplo, a renunciar a la dirección de pintura de la Real Academia de San Fernando.
La hipoacusia de D. Francisco de Goya continúa siendo, en la actualidad, todo un misterio tanto en sus aspectos diagnósticos, como terapéuticos. Mucho se ha especulado, a la luz de los acontecimientos actuales, cuál pudo ser su verdadera causa. En otros aspectos, la revisión de la obra y la vida del pintor permite deducir que no se recuperó nunca de su sordera.
Para disfrutar más de su obra te invito a visitar una galería virtual donde podras contemplar y leer sobre la obra de Goya en todas su etapas.
http://www.fll.vt.edu/Culture-Civ/Spanish/Taller/200pm/Taller2/etapa2.html
jueves 5 de febrero de 2009
La película :El milagro de Ana Sullivan, The miracle worker
EE.UU. 1962. 105 min. B/N.
Director: Arthur Penn.
Montaje: Ernest Caparros.
Guión: Helen Keller, William Gibson.
Música: Laurence Rosenthal.
Intérpretes: Peggy Burke, Inga Swenson, Anne Bancroft.
Sinopsis: Annie Sullivan llega a casa de los Keller para encargarse de una tarea casi imposible: enseñarle el mundo exterior a Helen Keller, una niña de siete años ciega y sorda desde los dieciocho meses, a causa de una enfermedad.
Oscar a la Mejor Actriz en 1962.
Director: Arthur Penn.
Montaje: Ernest Caparros.
Guión: Helen Keller, William Gibson.
Música: Laurence Rosenthal.
Intérpretes: Peggy Burke, Inga Swenson, Anne Bancroft.
Sinopsis: Annie Sullivan llega a casa de los Keller para encargarse de una tarea casi imposible: enseñarle el mundo exterior a Helen Keller, una niña de siete años ciega y sorda desde los dieciocho meses, a causa de una enfermedad.
Oscar a la Mejor Actriz en 1962.
Algunas claves para analizar la película
Tomado de:
Mauricio Játiva. Catedrático de Secundaria. Licenciado en Filosofía
En familiayeducacion.org
Tomado de:
Mauricio Játiva. Catedrático de Secundaria. Licenciado en Filosofía
En familiayeducacion.org
¿Cómo cabe calificar la actitud de la profesora?
Rasgos positivos y negativos.
No desfallece: actitud firme (¿excesiva?). Educar es un auténtico reto: siempre es complicado, no tirar la toalla, no hay casos perdidos. Fortaleza, constancia y mucha paciencia.
Planifica una estrategia: fuera improvisaciones; los problemas no suelen solucionarse solos. No buscar resultados inmediatos.
Actitud creativa: flexibilidad, originalidad, redefinición; piensa en alternativas (trasladarla a la casa de campo). Las dificultades no deben paralizarnos.
Pensamiento positivo (se fija en lo que estima la gran capacidad de aprender de Hellen.
Su total disponibilidad.
No desfallece: actitud firme (¿excesiva?). Educar es un auténtico reto: siempre es complicado, no tirar la toalla, no hay casos perdidos. Fortaleza, constancia y mucha paciencia.
Planifica una estrategia: fuera improvisaciones; los problemas no suelen solucionarse solos. No buscar resultados inmediatos.
Actitud creativa: flexibilidad, originalidad, redefinición; piensa en alternativas (trasladarla a la casa de campo). Las dificultades no deben paralizarnos.
Pensamiento positivo (se fija en lo que estima la gran capacidad de aprender de Hellen.
Su total disponibilidad.
¿Le falta, quizás, poner un poco de amor en lo que hace? ¿Demasiado dura en las formas?
¿Intransigente?
Distinción entre la sana autoridad y el autoritarismo.
Factores que dificultan el aprendizaje de la niña.
Hábitos previos negativos: es una niña consentida (se compadecen de ella y le permiten todo). Huir de las falsas compasiones (la ven como una inútil). Falsedad de los razonamientos emocionales (las cosas no tienen por qué ser como se sienten).
Exceso de protección: miedo a que le pase algo («vuela bajito y despacio»). Es la principal dificultad que Ana Sullivan detecta. Perder el miedo a decir que no a un antojo, o incluso a algunos deseos legítimos de los hijos. Exigir que se “intenten” hacer las cosas bien; la exigencia ha de ser personal, gradual y llena de cariño. La permisividad de los padres genera el pasotismo de los hijos.
Obviamente, sus carencias físicas. Otra distorsión cognitiva: abstracción selectiva; solo se dan cuenta de los defectos de su hija, no del potencial de su inteligencia.
Factores que dificultan el aprendizaje de la niña.
Hábitos previos negativos: es una niña consentida (se compadecen de ella y le permiten todo). Huir de las falsas compasiones (la ven como una inútil). Falsedad de los razonamientos emocionales (las cosas no tienen por qué ser como se sienten).
Exceso de protección: miedo a que le pase algo («vuela bajito y despacio»). Es la principal dificultad que Ana Sullivan detecta. Perder el miedo a decir que no a un antojo, o incluso a algunos deseos legítimos de los hijos. Exigir que se “intenten” hacer las cosas bien; la exigencia ha de ser personal, gradual y llena de cariño. La permisividad de los padres genera el pasotismo de los hijos.
Obviamente, sus carencias físicas. Otra distorsión cognitiva: abstracción selectiva; solo se dan cuenta de los defectos de su hija, no del potencial de su inteligencia.
¿Qué estrategias motivacionales utiliza la profesora?
Activa la curiosidad.
Trabajan juntas.
Valora las metas: premios y castigos (¿hasta qué punto?).
Es consecuente.
Distorsiones cognitivas que existen en la actitud de los padres.
Ideas preconcebidas: su hija es una enferma sin cura; cuidado con la «etiquetación», huir de los fatalismos.
Exceso de protección. La exigencia sólo cobra sentido cuando nace del cariño verdadero. La exigencia no ha de doblegar la voluntad sino motivarla; no es imponer por la fuerza sino por el cariño. La voluntad se forja con vencimientos y con motivos.
Refuerzo negativo: premian una conducta negativa para que no moleste (escena del mordisco a la maestra y caramelo de la madre). Los caprichos consentidos hacen crecer las necesidades.
No identifican el problema; muchas veces el problema está en no identificar el problema. La familia sabe cuál es el problema de Helen, pero no saben cuál es el suyo, hasta que descubren que su manera de comportarse no es la adecuada.
©Enrique Martínez-Salanova Sánchez
Fuente:
miércoles 4 de febrero de 2009
'Blog de ouro'
Tengo el agrado de compartir con ustedes lo siguiente:
Tomado de:
http://oliviacastrocranwell.wordpress.com/
Febrero 3, 2009 por Olivia
Estuve quince dias en el medio de la pampa, totalmente desconectada del mundo civilizado, escuchando pajaritos y participando del maravilloso espectáculo de luces que el sol brinda a través del día. Escuché los pajaritos con todo su esplendor gracias al implante y todavía lo disfruto como un milagro. La pampa se caracteriza por tener una enorme variedad de aves y esta fue la primera música que escuché despues de más de diez años. Es indescriptible y agradezco todos los dias al médico que me operó y cambió mi vida.
Ni bien me conecté en la internet recibí un cariño de Sun Melody, del blog Sou uma Cyborg . Ella tambien tiene un implante coclear y relata sus descubrimientos sonoros como si la vida fuese una sinfonía. Me gusta mucho leerla y me sorprende su habilidad para transformar las letras en música ya que se quedó sorda cuando sólo tenía un año y ocho meses. Encuentra la música en todos los sonidos y eso es un don.
Ella me regaló este sello de oro y tengo que seguir algunas reglas:
- Exibir la imagen del sello
- Elegir a seis mujeres para entregar el sello de oro
- Dejar un comentario en sus blogs para que sepan que ganaron el premio
Me siento muy orgullosa de que yo forme parte de sus elegidas porque la admiro y sin ella saberlo me guía en este nuevo camino biónico. A decir verdad ella es la única persona que conozco y tengo contacto que tenga un implante coclear. Debo elegir a seis mujeres que intercambian experiencias para convivir en la sociedad desde sus “diferencias”. No conozco esas seis mujeres, sólo conozco a dos y una de ellas no tiene un blog, tiene una web. De todas maneras las eligo ya que apoyan a las personas “diferentes”.
Arte y discapacidad
Yoga y discapacidad
Obrigada minha querida Cyborg (fin de cita).
Como ven..es una gran motivación..
y tengo como reto,
buscar
seis blogs, "parientes" de interes...
para hacerles llegar tan significativo y motivador regalo.
Gracias OLI!!!!
A "LA CAUTIVA": ¿Se puede caminar con los ojos vendados?
¿Pero quien es La Cautiva?
Es un personaje de Destellos en la Jaula Imposible,
Que nació hace casi dos años,como un proyecto musical,
con un “poquito de teatro”
Pero a medida que pasaban las semanas…
La relación de Moi con el teatro…
fue cambiando un poco la dirección de TODO el proyecto...
Y hoy ya ha roto también el límite de lo teatral.
¿A donde llegará?
No sabemos
Lo importante es que sigue en marcha…
Volviendo a la Cautiva…
Su nombre es Nix…
Y la primera vez que Moi la pudo ver…
Estaba ahí
Así como la ven
Vendada…
Y atada de manos…
bajo la protección de un hermoso árbol…pero espinoso!!!!
Es que…
“No podía ver”,
“No sabía”..
“No podía entender…”
“¡Temía!”
¿Se puede caminar con los ojos vendados?
¿Cuando?
Siiii,
cuando sabes que hay alguien que guía
cuando conoces muy bien el camino
cuando sabes que no hay peligro
cuando confías
cuando te entregas
cuando "no queda otra"...
¿Hay alguien que te guía
Si, mi intuición
¿Conoces bien el camino?
Alguna vez anduve por un terreno similar,pero de esto hace mucho...
La similitud pasaba por la SOLEDAD
Aquella vez...abandoné...no me atreví.
Ahora...hay algo en mi
que me hace seguir,no me preguntes que...
aun no lo se,
sólo se que esta ahí
y me hace andar.
¡No te detengas!
A veces sólo hace falta ABRIR LOS OJOS
para desvanecer la Jaula Imposible
que nos tenía cautivos.
¿Abrir los ojos?
Si...pero no los que nacen miopes...
no los que con el tiempo ven mucho mejor de lejos...
que de cerca...
Hablo de los "otros ojos"
los del alma
esos que a veces cuando los tenemos "vendados"
nos hacen buscar "lo que queremos"
justamente en los lugares más oscuros!!!
Es que resulta difícil saber que pasará,
cuando se encuentre lo que se busca...
Entonces dilatamos el "encuentro"
buscando donde "sabemos" que no encontraremos...
Y ahí
empiezan los hubieras......
"Un día
que ya pasó
Y perdí:
hubiera...hubiese...
pudo...pude…"
Dialogo entre Moi y La Cautiva
...Tomado del Blog:
Cautiva en la Jaula imposible.
sábado 17 de enero de 2009
Año Internacional del Braille
En el bicentenario del nacimiento de su inventor, se celebran los avances conseguidos en el acceso a la información de las personas ciegas
El sistema braille permite a millones de personas en todo el mundo tener acceso al conocimiento. Mediante seis puntos en relieve que se combinan para formar palabras, las personas ciegas o con deficiencia visual pueden escribir y leer cualquier texto a través de las yemas de los dedos. Este año se conmemora el 200 aniversario del nacimiento de su creador y, por ello, se ha elegido 2009 como Año Internacional del Braille.
Por AZUCENA GARCÍA
12 de enero de 2009
Son como pequeñas pulgas que saltan al azar en una hoja en blanco. Equilibristas sin red que caen sobre un folio con una misión especial: formar palabras. Los puntos del sistema braille han conseguido que millones de personas en todo el mundo tengan acceso a la información. Esquivan a los medios convencionales de comunicación y ofrecen alternativas accesibles a las personas ciegas o con deficiencia visual. Su creación se remonta al siglo XIX -entre 1825 y 1829-, cuando el francés Louis Braille ideó un sistema para acceder a la educación y a la cultura de forma escrita, "la apertura a la era del conocimiento y a la sociedad de la información", recuerda la Organización Nacional de Ciegos Españoles (ONCE).
Esta metodología se fundamenta en la combinación de seis puntos en relieve -dos columnas paralelas de tres puntos cada una- que se perciben a través del tacto. Asimismo, mediante el uso de unas máquinas de escribir e impresoras especiales, las personas ciegas pueden redactar textos, tomar apuntes y, en definitiva, comunicarse. Una de las labores que realiza la ONCE es, precisamente, la donación de impresoras y máquinas de escribir en braille a países en vías de desarrollo. Se pretende que se conviertan en foco de cultura y educación en escuelas de América Latina, en los campamentos saharauis o en Sarajevo. "Y pronto serán una realidad en Tirana, Albania", añade la entidad.
El sistema braille permite a millones de personas en todo el mundo tener acceso al conocimiento. Mediante seis puntos en relieve que se combinan para formar palabras, las personas ciegas o con deficiencia visual pueden escribir y leer cualquier texto a través de las yemas de los dedos. Este año se conmemora el 200 aniversario del nacimiento de su creador y, por ello, se ha elegido 2009 como Año Internacional del Braille.
Por AZUCENA GARCÍA
12 de enero de 2009
Son como pequeñas pulgas que saltan al azar en una hoja en blanco. Equilibristas sin red que caen sobre un folio con una misión especial: formar palabras. Los puntos del sistema braille han conseguido que millones de personas en todo el mundo tengan acceso a la información. Esquivan a los medios convencionales de comunicación y ofrecen alternativas accesibles a las personas ciegas o con deficiencia visual. Su creación se remonta al siglo XIX -entre 1825 y 1829-, cuando el francés Louis Braille ideó un sistema para acceder a la educación y a la cultura de forma escrita, "la apertura a la era del conocimiento y a la sociedad de la información", recuerda la Organización Nacional de Ciegos Españoles (ONCE).
Esta metodología se fundamenta en la combinación de seis puntos en relieve -dos columnas paralelas de tres puntos cada una- que se perciben a través del tacto. Asimismo, mediante el uso de unas máquinas de escribir e impresoras especiales, las personas ciegas pueden redactar textos, tomar apuntes y, en definitiva, comunicarse. Una de las labores que realiza la ONCE es, precisamente, la donación de impresoras y máquinas de escribir en braille a países en vías de desarrollo. Se pretende que se conviertan en foco de cultura y educación en escuelas de América Latina, en los campamentos saharauis o en Sarajevo. "Y pronto serán una realidad en Tirana, Albania", añade la entidad.
Etiquetado y braille informático
Gracias al braille, las personas con deficiencia visual pueden leer un libro, una revista e, incluso, una página web. En total, la ONCE cuenta con más de 57.000 títulos en braille y sonido, a los que también se puede acceder a través de Internet. Además, presta apoyo a los estudiantes para la impresión de apuntes y otros textos. Para ello, se recurre a medios electrónicos e informáticos, como escáneres, reconocedoras ópticas de caracteres o impresoras braille.
Se busca el uso de este sistema en todos los ámbitos para que las personas ciegas logren la mayor autonomía posible. Así, en los últimos años ha conseguido hacerse un hueco en el etiquetado de medicamentos, envases de alimentación y limpieza, señalización de ascensores, folletos, catálogos o cartas de restaurantes "y otros servicios que, aunque parecen pequeños, facilitan enormemente la vida de las personas ciegas".
Respecto a las nuevas tecnologías, la revolución en este terreno ha permitido la creación del braille informático, un sistema formado por ocho puntos -dos columnas de cuatro- que amplía las combinaciones de 64 a 256. De esta manera, su identificación con el byte (formado por ocho bites) resulta más sencilla, se accede a un mayor número de documentos y se favorecen las posibilidades laborales, de educación y de ocio de las personas ciegas.
Los medios informáticos son cada vez más accesibles gracias al uso de herramientas específicas como las "líneas braille", periféricos que transforman en caracteres braille la información contenida en las pantallas de los ordenadores, o anotadores digitales, que utilizan un teclado especial para la introducción de los datos y pueden proporcionar la información en voz sintética o en sistema de puntos.
En total, según datos de la ONCE, el braille es un método imprescindible en la educación de 7.500 niños y jóvenes en nuestro país, "es una de las puertas que les introduce en las nuevas tecnologías y la sociedad de la información". En este sentido, la Comisión Braille Española adapta este sistema de lectoescritura a las necesidades que se plantean a las personas ciegas y a la edición de diferentes materiales.
Nivel básico, medio y avanzado
A priori, el sistema braille parece complicado. Sin embargo, se pueden alcanzar diferentes niveles de conocimiento, según el grado de ceguera o deficiencia visual. También están previstos diferentes niveles de formación para familiares y amigos. El servicio de enseñanza del braille de la ONCE ofrece a los afiliados y sus allegados cursos impartidos por profesionales especializados.
De manera individual o en grupo, se alcanzan diferentes niveles de uso y conocimiento: básico, medio y avanzado. Es esta formación básica la que se ofrece a los allegados y a determinados profesionales, como profesores, para que mejoren sus medios de comunicación.
El curso de iniciación incluye formación en los fundamentos del braille: alfabeto, perforación manual con punzón y uso de máquinas de escribir e impresoras. Otras claves que se enseñan para mejorar el conocimiento de este sistema son las combinaciones de puntos (hasta 64), mediante las cuales se consiguen distintos tipos de letras, números o signos de puntuación.
Gracias al braille, las personas con deficiencia visual pueden leer un libro, una revista e, incluso, una página web. En total, la ONCE cuenta con más de 57.000 títulos en braille y sonido, a los que también se puede acceder a través de Internet. Además, presta apoyo a los estudiantes para la impresión de apuntes y otros textos. Para ello, se recurre a medios electrónicos e informáticos, como escáneres, reconocedoras ópticas de caracteres o impresoras braille.
Se busca el uso de este sistema en todos los ámbitos para que las personas ciegas logren la mayor autonomía posible. Así, en los últimos años ha conseguido hacerse un hueco en el etiquetado de medicamentos, envases de alimentación y limpieza, señalización de ascensores, folletos, catálogos o cartas de restaurantes "y otros servicios que, aunque parecen pequeños, facilitan enormemente la vida de las personas ciegas".
Respecto a las nuevas tecnologías, la revolución en este terreno ha permitido la creación del braille informático, un sistema formado por ocho puntos -dos columnas de cuatro- que amplía las combinaciones de 64 a 256. De esta manera, su identificación con el byte (formado por ocho bites) resulta más sencilla, se accede a un mayor número de documentos y se favorecen las posibilidades laborales, de educación y de ocio de las personas ciegas.
Los medios informáticos son cada vez más accesibles gracias al uso de herramientas específicas como las "líneas braille", periféricos que transforman en caracteres braille la información contenida en las pantallas de los ordenadores, o anotadores digitales, que utilizan un teclado especial para la introducción de los datos y pueden proporcionar la información en voz sintética o en sistema de puntos.
En total, según datos de la ONCE, el braille es un método imprescindible en la educación de 7.500 niños y jóvenes en nuestro país, "es una de las puertas que les introduce en las nuevas tecnologías y la sociedad de la información". En este sentido, la Comisión Braille Española adapta este sistema de lectoescritura a las necesidades que se plantean a las personas ciegas y a la edición de diferentes materiales.
Nivel básico, medio y avanzado
A priori, el sistema braille parece complicado. Sin embargo, se pueden alcanzar diferentes niveles de conocimiento, según el grado de ceguera o deficiencia visual. También están previstos diferentes niveles de formación para familiares y amigos. El servicio de enseñanza del braille de la ONCE ofrece a los afiliados y sus allegados cursos impartidos por profesionales especializados.
De manera individual o en grupo, se alcanzan diferentes niveles de uso y conocimiento: básico, medio y avanzado. Es esta formación básica la que se ofrece a los allegados y a determinados profesionales, como profesores, para que mejoren sus medios de comunicación.
El curso de iniciación incluye formación en los fundamentos del braille: alfabeto, perforación manual con punzón y uso de máquinas de escribir e impresoras. Otras claves que se enseñan para mejorar el conocimiento de este sistema son las combinaciones de puntos (hasta 64), mediante las cuales se consiguen distintos tipos de letras, números o signos de puntuación.
FUENTE: http://www.consumer.es/web/es/solidaridad/proyectos_y_campanas
jueves 8 de enero de 2009
Los sonidos del silencio
Gestos, miradas y posturas forman parte de la comunicación no verbal, el canal privilegiado para manifestar lo que se piensa, pero no se dice.
Un gesto vale más que mil palabras y no siempre se dice lo que se piensa. Dos afirmaciones que conducen a un tema: la comunicación no verbal. Desde los gestos, la vestimenta, las posturas hasta la dicción de la voz y las miradas forman parte del lenguaje del cuerpo, disciplina que es monitoreada de cerca por antropólogos, y a la que universidades y empresas comienzan a prestar mucha atención.
"La comunicación no verbal es el canal privilegiado de expresión de lo que se piensa y no se dice. El cuerpo nunca cesa de hablar. Incluso, cuando dormimos los movimientos del cuerpo y las expresiones faciales manifiestan las emociones propias del sueño", explica Sergio Rulicki, antropólogo y autor del libro Comunicación no verbal , junto a Martín Cherny.
"Toda comunicación que está mediatizada por el cuerpo humano es no verbal y tiene que ver con las emociones. Incluso la voz (el tono, la velocidad y las pausas) tiene un aspecto paralingüístico ", agrega Rulicki, docente de la Universidad Austral.
Con la opinión anterior coincide José María Rodríguez Saráchaga, docente del Centro de Graduados de la Universidad del CEMA y presidente de Oratoria Consulting.
"La comunicación no verbal es tan importante, o a veces más, que la palabra misma. Los gestos, las posturas, las miradas y las actitudes que hacemos cuando nos comunicamos emiten un mensaje que nuestros interlocutores decodifican en forma inmediata, a veces consciente y generalmente en forma inconsciente, a través del denominado sexto sentido ", asegura.
¿Qué rol juega el lenguaje corporal? Quienes se han dedicado a estudiar el tema sostienen que es más de lo que se piensa. El antropólogo Albert Mehrabian analizó cuál es el impacto de un mensaje: el verbal, 7% (sólo palabras); vocal, 38% (tono de la voz, matices y otros sonidos), y no verbal, en un 55 por ciento.
Por otra parte, otro teórico, Ray Birdwhistell, descubrió que el componente verbal de una conversación cara a cara es inferior al 35% y que más del 65% de la comunicación es de tipo no verbal.
"Toda comunicación que está mediatizada por el cuerpo humano es no verbal y tiene que ver con las emociones. Incluso la voz (el tono, la velocidad y las pausas) tiene un aspecto paralingüístico ", agrega Rulicki, docente de la Universidad Austral.
Con la opinión anterior coincide José María Rodríguez Saráchaga, docente del Centro de Graduados de la Universidad del CEMA y presidente de Oratoria Consulting.
"La comunicación no verbal es tan importante, o a veces más, que la palabra misma. Los gestos, las posturas, las miradas y las actitudes que hacemos cuando nos comunicamos emiten un mensaje que nuestros interlocutores decodifican en forma inmediata, a veces consciente y generalmente en forma inconsciente, a través del denominado sexto sentido ", asegura.
¿Qué rol juega el lenguaje corporal? Quienes se han dedicado a estudiar el tema sostienen que es más de lo que se piensa. El antropólogo Albert Mehrabian analizó cuál es el impacto de un mensaje: el verbal, 7% (sólo palabras); vocal, 38% (tono de la voz, matices y otros sonidos), y no verbal, en un 55 por ciento.
Por otra parte, otro teórico, Ray Birdwhistell, descubrió que el componente verbal de una conversación cara a cara es inferior al 35% y que más del 65% de la comunicación es de tipo no verbal.
La entrevista laboral es uno de los momentos más estudiados y donde los especialistas ponen la lupa. "Hay varios factores que deben tenerse en cuenta. La vestimenta, los gestos, los ademanes y mohínes que usemos transmiten un mensaje que dice a nuestro interlocutor quiénes somos, de dónde venimos y qué puede esperar de nosotros", opina Saráchaga.
"En esos momentos debemos vender una imagen producida de nosotros mismos. Lo que nunca tenemos que intentar es pretender ser aquello que no somos, no sólo por cuestiones éticas, sino por algo simple y sencillo... se nota. El selector recibe cientos de postulantes, miles en estos momentos, para un mismo puesto, de los cuales seguramente habrá un lote de veinte o treinta que tendrán habilidades y pretensiones salariales similares. Pero cuando tiene que hacer la selección final, es la forma de acercarse del postulante lo que termina por inclinar la balanza", agrega.
"En esos momentos debemos vender una imagen producida de nosotros mismos. Lo que nunca tenemos que intentar es pretender ser aquello que no somos, no sólo por cuestiones éticas, sino por algo simple y sencillo... se nota. El selector recibe cientos de postulantes, miles en estos momentos, para un mismo puesto, de los cuales seguramente habrá un lote de veinte o treinta que tendrán habilidades y pretensiones salariales similares. Pero cuando tiene que hacer la selección final, es la forma de acercarse del postulante lo que termina por inclinar la balanza", agrega.
Rulicki se refiere al tiempo de espera, que en promedio ronda los 20 minutos. "Es parte del ritual. Cómo uno aguarda durante esos minutos es fundamental. Es muy importante estar ocupado. Podemos llevar un libro; es decir, es fundamental que te vean ocupado. También se puede hacer anotaciones. Otro aspecto destacable es cómo nos sentamos, debemos guardar una posición de atención. De esta manera vamos a llegar mucho mejor a la entrevista", opina.Un arte
Los especialistas consultados coinciden en que la interpretación del lenguaje surge de la sumatoria de indicios.
"El análisis de una conversación depende ciento por ciento del contexto. La comunicación no verbal, si bien se basa en estudios científicos, como toda interpretación y ciencia hermenéutica, es un arte. Es decir, que la intuición juega un papel fundamental", opina Rulicki.
Décadas de estudios sobre la materia permitieron evaluar y generalizar el significado de determinadas posturas. A continuación, algunos consejos para tener en cuenta:
* En una charla, conviene alternar la mirada; se pueden realizar algunas en forma general y mirar a los ojos cuando uno contesta. "Pero tampoco todo el tiempo y sin exagerar la fuerza en la mirada porque puede resultar intimidatoria y hasta malinterpretada", ejemplifica Rulicki.
* Es conveniente no cruzar los brazos, ya que genera una barrera entre los interlocutores.
* El tema de los lugares también es importante. "Si tenemos una entrevista y nos dejan esperando solos en un salón evitar siempre sentarse en las cabeceras, ya que ese lugar está reservado para los directivos. Si hay varios sitios, buscaremos estar a la derecha o a la izquierda de la cabecera, y evitaremos dar la espalda a la puerta de entrada al recinto", explica el antropólogo.
* "Debemos practicar mucho para que los gestos que realizamos vayan destacando nuestras expresiones. Para empezar, es conveniente sacarse las muletillas gestuales, por ejemplo, refregarse las manos; se interpreta como desentenderse de lo dicho; tampoco aplaudir, porque es una falta de respeto al auditorio", asegura Saráchaga.
* Para practicar, el espejo es el mejor aliado. "Ejercitemos frente al espejo aquello que queramos decir y prestemos atención a cómo se mueve nuestro cuerpo. De a poco corrijamos cada detalle. Para esto hay una sola receta: practicar, practicar y practicar", agrega Saráchaga.
* El lenguaje gestual debe coincidir con el mensaje verbal que se intenta transmitir. "Evitar actitudes que generen desconfianza o distancia con nuestro anfitrión, como taparse la boca al hablar, o mirar el reloj", ejemplifica.
* Mover rítmicamente el pie o tamborilear son signos de impaciencia. Otros: si una persona se toca mucho la cara, se rasca la nariz, eleva una ceja con el dedo, se rasca el cuello, por ejemplo. Además, si se arregla y toca la vestimenta eso también es una señal de extremado nerviosismo.
* Cuando se intenta explicar algo es importante que las palmas queden abiertas hacia la otra persona. "Es un gesto básico que nosotros hacemos espontáneamente cuando tenemos la intención de comunicarnos con el otro", concluye Rulicki.
Area académica
Lo cierto es que universidades, e incluso empresas, se preocupan por entender lo que dice el cuerpo. "Las compañías se interesan por este tipo de comunicación, ya que buscan la congruencia en la comunicación, entre lo que se piensa, siente y dice, y cómo se expresa", opina Martín Sandoval, director de Ms Coach Sandoval.
"El avance de los medios de comunicación, los cursos de oratoria y la difusión de estos temas por Internet hacen que nuestros interlocutores estén más al tanto de estos temas y sepan decodificar el lenguaje corporal. Los libros sobre la temática forman parte de la bibliografía obligatoria de carreras como Recursos Humanos, Comunicación Social y Relaciones Públicas", sostiene Saráchaga.
Según precisa el especialista, la comunicación no verbal puede ser el mejor aliado o el peor enemigo.
"Lo importante es tomar conciencia del tema y después tratar de mejorar. Es común que quienes asisten a cursos de oratoria tengan problemas con el manejo de las manos. Pero va mucho más allá de eso. La forma en que miramos a nuestros interlocutores, la manera en que nos paramos, son todos indicadores que pueden hacer fracasar una presentación, una reunión de trabajo o una entrevista laboral", agrega.
"Los programas de oratoria fueron diseñados para mejorar las habilidades de estudiantes, profesores y maestros de todos los niveles de la enseñanza; políticos y profesionales, o empresarios de todas las áreas, en especial ejecutivos de ventas, marketing y relaciones públicas. Es decir, todas aquellas personas que habitualmente necesitan realizar presentaciones orales", añade Saráchaga.
Rulicki explica que la capacitación en comunicación no verbal es una industria en Estados Unidos. Un poco menos, pero también importante, en Europa. "El comportamiento en la cultura anglosajona y norteamericana es racional; es decir, debo comportarme de la manera más apropiada y más conveniente . En cambio, el ideal de justificación del comportamiento de la sociedad latina es la emocionalidad: me expresé así porque lo sentí, y con eso estoy justificado", precisa Rulicki.En seguridad
Según explica Rulicki, en EE.UU. la capacitación no verbal es una de las herramientas más utilizadas para control de aeropuertos y de fuerzas de seguridad.
¿Qué entrenan? Lo principal es la expresión facial de las emociones básicas, porque éstas son universales y significan lo mismo en todas las culturas. "Se entrena la capacidad de percibir microgestos. De esta manera, puedo descubrir si la expresión facial de un rostro de una persona es verídica o es una máscara", concluye.
"El análisis de una conversación depende ciento por ciento del contexto. La comunicación no verbal, si bien se basa en estudios científicos, como toda interpretación y ciencia hermenéutica, es un arte. Es decir, que la intuición juega un papel fundamental", opina Rulicki.
Décadas de estudios sobre la materia permitieron evaluar y generalizar el significado de determinadas posturas. A continuación, algunos consejos para tener en cuenta:
* En una charla, conviene alternar la mirada; se pueden realizar algunas en forma general y mirar a los ojos cuando uno contesta. "Pero tampoco todo el tiempo y sin exagerar la fuerza en la mirada porque puede resultar intimidatoria y hasta malinterpretada", ejemplifica Rulicki.
* Es conveniente no cruzar los brazos, ya que genera una barrera entre los interlocutores.
* El tema de los lugares también es importante. "Si tenemos una entrevista y nos dejan esperando solos en un salón evitar siempre sentarse en las cabeceras, ya que ese lugar está reservado para los directivos. Si hay varios sitios, buscaremos estar a la derecha o a la izquierda de la cabecera, y evitaremos dar la espalda a la puerta de entrada al recinto", explica el antropólogo.
* "Debemos practicar mucho para que los gestos que realizamos vayan destacando nuestras expresiones. Para empezar, es conveniente sacarse las muletillas gestuales, por ejemplo, refregarse las manos; se interpreta como desentenderse de lo dicho; tampoco aplaudir, porque es una falta de respeto al auditorio", asegura Saráchaga.
* Para practicar, el espejo es el mejor aliado. "Ejercitemos frente al espejo aquello que queramos decir y prestemos atención a cómo se mueve nuestro cuerpo. De a poco corrijamos cada detalle. Para esto hay una sola receta: practicar, practicar y practicar", agrega Saráchaga.
* El lenguaje gestual debe coincidir con el mensaje verbal que se intenta transmitir. "Evitar actitudes que generen desconfianza o distancia con nuestro anfitrión, como taparse la boca al hablar, o mirar el reloj", ejemplifica.
* Mover rítmicamente el pie o tamborilear son signos de impaciencia. Otros: si una persona se toca mucho la cara, se rasca la nariz, eleva una ceja con el dedo, se rasca el cuello, por ejemplo. Además, si se arregla y toca la vestimenta eso también es una señal de extremado nerviosismo.
* Cuando se intenta explicar algo es importante que las palmas queden abiertas hacia la otra persona. "Es un gesto básico que nosotros hacemos espontáneamente cuando tenemos la intención de comunicarnos con el otro", concluye Rulicki.
Area académica
Lo cierto es que universidades, e incluso empresas, se preocupan por entender lo que dice el cuerpo. "Las compañías se interesan por este tipo de comunicación, ya que buscan la congruencia en la comunicación, entre lo que se piensa, siente y dice, y cómo se expresa", opina Martín Sandoval, director de Ms Coach Sandoval.
"El avance de los medios de comunicación, los cursos de oratoria y la difusión de estos temas por Internet hacen que nuestros interlocutores estén más al tanto de estos temas y sepan decodificar el lenguaje corporal. Los libros sobre la temática forman parte de la bibliografía obligatoria de carreras como Recursos Humanos, Comunicación Social y Relaciones Públicas", sostiene Saráchaga.
Según precisa el especialista, la comunicación no verbal puede ser el mejor aliado o el peor enemigo.
"Lo importante es tomar conciencia del tema y después tratar de mejorar. Es común que quienes asisten a cursos de oratoria tengan problemas con el manejo de las manos. Pero va mucho más allá de eso. La forma en que miramos a nuestros interlocutores, la manera en que nos paramos, son todos indicadores que pueden hacer fracasar una presentación, una reunión de trabajo o una entrevista laboral", agrega.
"Los programas de oratoria fueron diseñados para mejorar las habilidades de estudiantes, profesores y maestros de todos los niveles de la enseñanza; políticos y profesionales, o empresarios de todas las áreas, en especial ejecutivos de ventas, marketing y relaciones públicas. Es decir, todas aquellas personas que habitualmente necesitan realizar presentaciones orales", añade Saráchaga.
Rulicki explica que la capacitación en comunicación no verbal es una industria en Estados Unidos. Un poco menos, pero también importante, en Europa. "El comportamiento en la cultura anglosajona y norteamericana es racional; es decir, debo comportarme de la manera más apropiada y más conveniente . En cambio, el ideal de justificación del comportamiento de la sociedad latina es la emocionalidad: me expresé así porque lo sentí, y con eso estoy justificado", precisa Rulicki.En seguridad
Según explica Rulicki, en EE.UU. la capacitación no verbal es una de las herramientas más utilizadas para control de aeropuertos y de fuerzas de seguridad.
¿Qué entrenan? Lo principal es la expresión facial de las emociones básicas, porque éstas son universales y significan lo mismo en todas las culturas. "Se entrena la capacidad de percibir microgestos. De esta manera, puedo descubrir si la expresión facial de un rostro de una persona es verídica o es una máscara", concluye.
Sofía Corral
Fuente: www.intramed.net
martes 6 de enero de 2009
Mensaje del 1º de Enero De La Fundacion de Artistas Discapacitados
Nada vuelve hacia atras, todo continúa el interminable camino hacia adelante, hacia nuevos y cambiantes horizontes, hacia la ineludible meta que develará todo...
Nuestro deseo es que mientas tanto nos demos cuenta de que la vida nos pone una multiplicidad de sus formas para agudizar nuestra atención y percepción para enriquecer nuestro ser y tengamos acciones acordes a lo esencial de la vida...
Que nuestros corazones se abran sin temores y expresemos la nobleza natural del que ama y tengamos mayor comprensión y amor para con nosotros y nuestros semejantes...
Que nuestras mentes no sean escollos para acercarnos a un otro, que no discrimine, ni divida, ni ponga límites ni fronteras y quede quieta para poder tener una visión más amplia y vivir en plenitud...
Que las situaciones y vivencias las vivamos sin memoria ni recuerdos aún siendo similares a otras, ya que la magia de la vida están en "tener amnesia en el justo momento y provocada a voluntad".
Nuestro deseo es que mientas tanto nos demos cuenta de que la vida nos pone una multiplicidad de sus formas para agudizar nuestra atención y percepción para enriquecer nuestro ser y tengamos acciones acordes a lo esencial de la vida...
Que nuestros corazones se abran sin temores y expresemos la nobleza natural del que ama y tengamos mayor comprensión y amor para con nosotros y nuestros semejantes...
Que nuestras mentes no sean escollos para acercarnos a un otro, que no discrimine, ni divida, ni ponga límites ni fronteras y quede quieta para poder tener una visión más amplia y vivir en plenitud...
Que las situaciones y vivencias las vivamos sin memoria ni recuerdos aún siendo similares a otras, ya que la magia de la vida están en "tener amnesia en el justo momento y provocada a voluntad".
FUNDACIÓN ARTISTAS DISCAPACITADOS
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(C1249AAK)Ciudad de Buenos Aires - Argentina
Tel/Fax: (054) (011) 4941-2323
Algunas reflexiones sobre el silencio
Por Dr. Manuel Matarrita (desde Costa Rica).
La música, nos indica el diccionario, es el “arte de combinar los sonidos de la voz humana o de los instrumentos, o de unos y otros a la vez, de suerte que produzcan deleite, conmoviendo la sensibilidad, ya sea alegre, ya tristemente.” [1] A quienes día a día participamos en el aprendizaje y ejecución de la música de los grandes maestros, o a aquellos que se dedican a la invención de nuevas obras musicales, se nos enseña sobre la importancia de cómo crear y/o recrear esos sonidos. Se nos habla de las teorías de armonía y contrapunto que rigen tales combinaciones sonoras y de las diferentes pautas estilísticas que debe encerrar la ejecución de una obra musical. Así el intérprete, que no es más que el medium entre el compositor y el público, se ocupa de brindar una versión persuasiva de una determinada composición, que pueda calar en el plano emocional de quien la escucha. Pero rara vez se nos hace ver el papel fundamental que juega el silencio dentro del marco conceptual y expresivo de una obra musical. Si la música es una especie de sintaxis sonora que necesita ser descifrada para ser ejecutada, ¿qué papel juega el silencio en el desarrollo de tal cometido?
El silencio como base de la creación musical
Dice una máxima pitagórica: “Si se os pregunta: ¿qué es el silencio?, responded: la primera piedra del templo de la filosofía." Si aplicamos este aforismo, y además coincidimos con Stravinsky en que la creación musical -o el “fenómeno musical” como él lo llama- es resultado de un proceso de especulación, esto es, de una especie de filosofía creativa, podremos convenir en que el silencio es el punto de partida de ese proceso. [2] La creación musical reside en el acto de poblar un vacío sonoro existente con una combinación lógica de sonidos, primero en un plano abstracto y luego a nivel físico y sensorial. Si entendemos al silencio como nuestra tabula rasa, equivalente a lo que sería el lienzo incoloro para un pintor, o un terreno sin construir para un arquitecto, nos debe llamar la atención la definición que la Academia da al término silencio como “falta de ruido” o “pausa musical”.[3] Esta enunciación plantea intrínsecamente que el sonido es un estado preliminar. Por tanto, al explicar el concepto del silencio en sentido consecuente y negativo, casi peyorativo (puesto que la descripción del diccionario denota ausencia e interrupción) invalida al silencio como estado natural. ¿Cabría entonces más bien definir al sonido -y por ende a la música- como la “ausencia de silencio”?
Ahora bien, sabemos que el silencio absoluto no existe. Recordemos por ejemplo la teoría ya milenaria según la cual los cuerpos celestes en el universo producían sonidos que, al combinarse, producían lo que los antiguos griegos música de las esferas, y que siglos más tarde Boecius en Roma denominaría música mundana. Estas vibraciones bajo las cuales se rige el orden divino del cosmos, de acuerdo a esta tesis, son imperceptibles para el oído humano. Sin embargo, esa clase de música no es la que nos ocupa aquí. No es sino hasta entrado el Renacimiento en el que el vocablo música comenzó a referirse exclusivamente al arte de ordenar los sonidos a voluntad y de acuerdo a cánones preestablecidos, tal como lo entendemos en nuestros días. Música, en el sentido estricto del arte, se refiere a una fuerza creativa cuyo resultado final aspira a una materialización sonora. Stravinsky afirma:
Permítanme tomar el ejemplo más banal: el placer que experimentamos al oír el murmullo de la brisa entre los árboles, las ondas de un arroyo, el canto de un pájaro. Todo esto nos satisface, deleita y divierte. Incluso podríamos decir: ¡Qué hermosa música!... Estos sonidos naturales sugieren música, pero no son música en sí mismos... Son promesas de música; se requiere de un ser humano que sea sensitivo a las voces de la naturaleza, desde luego, pero que además sienta la necesidad de poner estos sonidos en orden y que tenga una especial aptitud para lograr esta tarea. [4]
Desde luego, muchas y muy diversas son las opiniones sobre música y silencio. En su libro “The Concept of Music”, Robert Maconie nos ofrece su visión sobre la naturaleza primordial del silencio. A su juicio, éste es una condición imprescindible y esencial para el fenómeno musical:
El silencio, como la Naturaleza, es incansable e invencible: por más grandiosamente que ejecutemos un sonido, el silencio le invadirá y lo cubrirá inexorablemente. Si el silencio es retenido, el sonido debe ser constantemente renovado. Pero si el sonido no tiene la posibilidad de morir, no tendríamos tampoco la posibilidad de repetirlo, o aún mejor, de reemplazarlo con otro sonido diferente. Sin el silencio, no podría haber música. [5]
El compositor japonés Toru Takemitsu, aunque también reconoce en el silencio un punto de partida esencial, encuentra que es territorio frágil en la realidad del ser humano. La creación musical (por tratarse de un “arte cronólogico”, en términos de Stravinsky [6]) funciona como un antídoto existencial. Si una de las cualidades primordiales de la música es la de “conmover la sensibilidad” como señala la definición del diccionario, la música es el medio para elevar al ser humano y transcender el abrumador silencio:
El temor al silencio no es nuevo. El silencio rodea al oscuro mundo de la muerte. Algunas veces el silencio del vasto universo se cierne sobre nosotros envolviéndonos. Hay el intenso silencio del nacimiento y el quieto silencio del retorno a la tierra. ¿No ha sido el arte la rebelión de la criatura humana contra el silencio? Poesía y música nacieron cuando el hombre profirió un sonido, resistiendo al silencio... Confrontar el silencio produciendo un sonido no es una forma más de verificar que existimos. [7]
El silencio en la estructura musical
El teórico musical Edward T. Cone distingue en el silencio un elemento determinante de la forma musical. [8] En su ensayo “The Nature of Musical Form”, Cone sostiene que existen dos diferentes tipos de obras musicales. Por un lado están las composiciones concebidas para ser simplemente oídas (por ejemplo, la música ambiental en un restaurante o en una iglesia). En otro sentido está la música para ser escuchada, es decir, aquélla que por su contenido intelectual y emocional necesita irremediablemente de un receptor que la aprecie y la reciba. Dentro de esta categoría se encuentran las obras compendidas dentro de lo que comúnmente llamamos “música culta”. La principal característica de estas obras, afirma Cone, es su delimitación en el tiempo; es decir, las piezas deben tener un comienzo y un final para que puedan encerrar un contenido lógico. El silencio es justamente el elemento determinante. Lo que define y permite apreciar el contorno de una escultura es el espacio vacío a su alrededor: de forma análoga, el inicio de una obra musical, por definición, precisa de la existencia de un silencio preliminar, y el indicativo de que ésta ha llegado a su desenlace no es otra cosa que un espacio de silencio. [9]
Aunque el postulado de Cone puede ser bien aplicado a la vasta mayoría de la “música culta”, compositores en el siglo XX llevaron este concepto al límite de las posibilidades y rompieron con el paradigma. La obra Vexations (Fastidios) de Erik Satie (en realidad concebida aún a finales del siglo XIX, 1893) propone la repetición ininterrumpida de un fragmento musical. Es probablemente el primer intento serio en alcanzar la sensación de atemporalidad en una obra musical, presagiando de alguna manera el movimiento minimalista de mediados del siglo XX y la música experimental de Cage. No obstante, las instrucciones dadas por el propio Satie para la ejecución de la obra curiosamente reconocen en el silencio la noción de piedra fundamental: “El motivo debe tocarse 840 veces sucesivamente, es recomendable prepararse uno de antemano, en el más profundo silencio, mediante serias inmovilidades.”
ERIK SATIE: Vexations
Quizás sea John Cage el compositor que más profusamente se ha referido al silencio como materia prima de la estructura musical. Es bastante conocido su experimento con la celebrada “composición” 4´33. En ella, el ejecutante, un pianista, debe permanecer 4 minutos y 33 segundos “en silencio” hasta completar los tres movimientos de la obra. Cage no plantea un simple vacío sonoro de casi cinco minutos; por el contrario, pretendía que fueran los sonidos ambientales los que crearan el fenómeno musical, de manera natural y aleatoria. Esta composición deroga el concepto formal expuesto por Cone, puesto que el silencio ya no es el factor que define los límites de la obra. La apreciación de Cage sobre la estructura musical va más allá:
Si la música es concebida como un objeto, entonces tiene un inicio, una mitad y un final, y uno puede sentirse bastante confiado porque está medida en términos de tiempo. Pero cuando la música es un proceso, las medidas de tiempo se vuelven menos significativas, y el proceso mismo, incluyendo la noción de “Cero Tiempo” (es decir, no tiempo del todo), se convierte misterioso y eminentemente útil. [10]
John Cage
De Cage pasamos a la contundente posición de Milton Babbitt, quien considera que para que la música pueda evolucionar como arte y como ciencia debe deshacerse de todo vínculo con el público. Al igual que Cone, Babbitt divide la música en dos clasificaciones, pero no lo hace de acuerdo a su estructura, sino de acuerdo a su valor artístico. Así pues, encuentra que existe música “buena” y “mala”. Considera que la evolución de la música “buena” ha llegado a un alto grado de complejidad, y que solamente los especialistas en la materia pueden entenderla. Puesto que este tipo de música evolucionada no es en medida alguna un artículo de consumo, no resulta pues crucial en el cometido final de una obra musical si existe alguien que la pueda escuchar. Así expresaba Babbitt en 1958:
La divergencia sin precedente entre la música seria contemporánea y sus oyentes, por un lado, y la música tradicional y sus seguidores por el otro, no es accidental y probablemente, tampoco transitoria. Más bien es el resultado de medio siglo de revolución en el pensamiento musical, una revolución cuya naturaleza y consecuencias se pueden comparar solamente, y en muchos aspectos de cerca, con la revolución del mediados del siglo XIX en la física teórica. El efecto inmediato y profundo ha sido la creación de una necesidad en el músico instruido de reexaminar y poner a prueba los mismos fundamentos de su arte. Lo han obligado a reconocer la verdadera posibilidad y la vigencia de alternativas que alguna vez fueron reconocidas como absolutos musicales. [11]
Desde esta óptica, el silencio como parte de la estructura musical ya no tiene relevancia alguna, puesto que no interesa si la música llega o no a ser escuchada. Al no permitir a esta música “evolucionada” emerger más allá de ese plano de abstracción pura, ¿no significa esto condenarla al más absoluto silencio?
Naturalmente, no es la mayoría de los compositores del siglo XX y XXI los que han adoptado una posición tan radical. Otros más bien, como Sofia Guibadulina, Arvo Pärt, John Taverner y el mismo Cage, por nombrar algunos, han buscando un profundo acercamiento a la espiritualidad por medio de la creación musical, desde las raíces ortodoxas cristianas hasta el budismo zen. Y el silencio es piedra angular de esa búsqueda. En palabras de Cage “no puede ser correcto hacer música que no se estructure desde las puras raíces del sonido y del silencio.” [12]
La música, nos indica el diccionario, es el “arte de combinar los sonidos de la voz humana o de los instrumentos, o de unos y otros a la vez, de suerte que produzcan deleite, conmoviendo la sensibilidad, ya sea alegre, ya tristemente.” [1] A quienes día a día participamos en el aprendizaje y ejecución de la música de los grandes maestros, o a aquellos que se dedican a la invención de nuevas obras musicales, se nos enseña sobre la importancia de cómo crear y/o recrear esos sonidos. Se nos habla de las teorías de armonía y contrapunto que rigen tales combinaciones sonoras y de las diferentes pautas estilísticas que debe encerrar la ejecución de una obra musical. Así el intérprete, que no es más que el medium entre el compositor y el público, se ocupa de brindar una versión persuasiva de una determinada composición, que pueda calar en el plano emocional de quien la escucha. Pero rara vez se nos hace ver el papel fundamental que juega el silencio dentro del marco conceptual y expresivo de una obra musical. Si la música es una especie de sintaxis sonora que necesita ser descifrada para ser ejecutada, ¿qué papel juega el silencio en el desarrollo de tal cometido?
El silencio como base de la creación musical
Dice una máxima pitagórica: “Si se os pregunta: ¿qué es el silencio?, responded: la primera piedra del templo de la filosofía." Si aplicamos este aforismo, y además coincidimos con Stravinsky en que la creación musical -o el “fenómeno musical” como él lo llama- es resultado de un proceso de especulación, esto es, de una especie de filosofía creativa, podremos convenir en que el silencio es el punto de partida de ese proceso. [2] La creación musical reside en el acto de poblar un vacío sonoro existente con una combinación lógica de sonidos, primero en un plano abstracto y luego a nivel físico y sensorial. Si entendemos al silencio como nuestra tabula rasa, equivalente a lo que sería el lienzo incoloro para un pintor, o un terreno sin construir para un arquitecto, nos debe llamar la atención la definición que la Academia da al término silencio como “falta de ruido” o “pausa musical”.[3] Esta enunciación plantea intrínsecamente que el sonido es un estado preliminar. Por tanto, al explicar el concepto del silencio en sentido consecuente y negativo, casi peyorativo (puesto que la descripción del diccionario denota ausencia e interrupción) invalida al silencio como estado natural. ¿Cabría entonces más bien definir al sonido -y por ende a la música- como la “ausencia de silencio”?
Ahora bien, sabemos que el silencio absoluto no existe. Recordemos por ejemplo la teoría ya milenaria según la cual los cuerpos celestes en el universo producían sonidos que, al combinarse, producían lo que los antiguos griegos música de las esferas, y que siglos más tarde Boecius en Roma denominaría música mundana. Estas vibraciones bajo las cuales se rige el orden divino del cosmos, de acuerdo a esta tesis, son imperceptibles para el oído humano. Sin embargo, esa clase de música no es la que nos ocupa aquí. No es sino hasta entrado el Renacimiento en el que el vocablo música comenzó a referirse exclusivamente al arte de ordenar los sonidos a voluntad y de acuerdo a cánones preestablecidos, tal como lo entendemos en nuestros días. Música, en el sentido estricto del arte, se refiere a una fuerza creativa cuyo resultado final aspira a una materialización sonora. Stravinsky afirma:
Permítanme tomar el ejemplo más banal: el placer que experimentamos al oír el murmullo de la brisa entre los árboles, las ondas de un arroyo, el canto de un pájaro. Todo esto nos satisface, deleita y divierte. Incluso podríamos decir: ¡Qué hermosa música!... Estos sonidos naturales sugieren música, pero no son música en sí mismos... Son promesas de música; se requiere de un ser humano que sea sensitivo a las voces de la naturaleza, desde luego, pero que además sienta la necesidad de poner estos sonidos en orden y que tenga una especial aptitud para lograr esta tarea. [4]
Desde luego, muchas y muy diversas son las opiniones sobre música y silencio. En su libro “The Concept of Music”, Robert Maconie nos ofrece su visión sobre la naturaleza primordial del silencio. A su juicio, éste es una condición imprescindible y esencial para el fenómeno musical:
El silencio, como la Naturaleza, es incansable e invencible: por más grandiosamente que ejecutemos un sonido, el silencio le invadirá y lo cubrirá inexorablemente. Si el silencio es retenido, el sonido debe ser constantemente renovado. Pero si el sonido no tiene la posibilidad de morir, no tendríamos tampoco la posibilidad de repetirlo, o aún mejor, de reemplazarlo con otro sonido diferente. Sin el silencio, no podría haber música. [5]
El compositor japonés Toru Takemitsu, aunque también reconoce en el silencio un punto de partida esencial, encuentra que es territorio frágil en la realidad del ser humano. La creación musical (por tratarse de un “arte cronólogico”, en términos de Stravinsky [6]) funciona como un antídoto existencial. Si una de las cualidades primordiales de la música es la de “conmover la sensibilidad” como señala la definición del diccionario, la música es el medio para elevar al ser humano y transcender el abrumador silencio:
El temor al silencio no es nuevo. El silencio rodea al oscuro mundo de la muerte. Algunas veces el silencio del vasto universo se cierne sobre nosotros envolviéndonos. Hay el intenso silencio del nacimiento y el quieto silencio del retorno a la tierra. ¿No ha sido el arte la rebelión de la criatura humana contra el silencio? Poesía y música nacieron cuando el hombre profirió un sonido, resistiendo al silencio... Confrontar el silencio produciendo un sonido no es una forma más de verificar que existimos. [7]
El silencio en la estructura musical
El teórico musical Edward T. Cone distingue en el silencio un elemento determinante de la forma musical. [8] En su ensayo “The Nature of Musical Form”, Cone sostiene que existen dos diferentes tipos de obras musicales. Por un lado están las composiciones concebidas para ser simplemente oídas (por ejemplo, la música ambiental en un restaurante o en una iglesia). En otro sentido está la música para ser escuchada, es decir, aquélla que por su contenido intelectual y emocional necesita irremediablemente de un receptor que la aprecie y la reciba. Dentro de esta categoría se encuentran las obras compendidas dentro de lo que comúnmente llamamos “música culta”. La principal característica de estas obras, afirma Cone, es su delimitación en el tiempo; es decir, las piezas deben tener un comienzo y un final para que puedan encerrar un contenido lógico. El silencio es justamente el elemento determinante. Lo que define y permite apreciar el contorno de una escultura es el espacio vacío a su alrededor: de forma análoga, el inicio de una obra musical, por definición, precisa de la existencia de un silencio preliminar, y el indicativo de que ésta ha llegado a su desenlace no es otra cosa que un espacio de silencio. [9]
Aunque el postulado de Cone puede ser bien aplicado a la vasta mayoría de la “música culta”, compositores en el siglo XX llevaron este concepto al límite de las posibilidades y rompieron con el paradigma. La obra Vexations (Fastidios) de Erik Satie (en realidad concebida aún a finales del siglo XIX, 1893) propone la repetición ininterrumpida de un fragmento musical. Es probablemente el primer intento serio en alcanzar la sensación de atemporalidad en una obra musical, presagiando de alguna manera el movimiento minimalista de mediados del siglo XX y la música experimental de Cage. No obstante, las instrucciones dadas por el propio Satie para la ejecución de la obra curiosamente reconocen en el silencio la noción de piedra fundamental: “El motivo debe tocarse 840 veces sucesivamente, es recomendable prepararse uno de antemano, en el más profundo silencio, mediante serias inmovilidades.”
ERIK SATIE: Vexations
Quizás sea John Cage el compositor que más profusamente se ha referido al silencio como materia prima de la estructura musical. Es bastante conocido su experimento con la celebrada “composición” 4´33. En ella, el ejecutante, un pianista, debe permanecer 4 minutos y 33 segundos “en silencio” hasta completar los tres movimientos de la obra. Cage no plantea un simple vacío sonoro de casi cinco minutos; por el contrario, pretendía que fueran los sonidos ambientales los que crearan el fenómeno musical, de manera natural y aleatoria. Esta composición deroga el concepto formal expuesto por Cone, puesto que el silencio ya no es el factor que define los límites de la obra. La apreciación de Cage sobre la estructura musical va más allá:
Si la música es concebida como un objeto, entonces tiene un inicio, una mitad y un final, y uno puede sentirse bastante confiado porque está medida en términos de tiempo. Pero cuando la música es un proceso, las medidas de tiempo se vuelven menos significativas, y el proceso mismo, incluyendo la noción de “Cero Tiempo” (es decir, no tiempo del todo), se convierte misterioso y eminentemente útil. [10]
John Cage
De Cage pasamos a la contundente posición de Milton Babbitt, quien considera que para que la música pueda evolucionar como arte y como ciencia debe deshacerse de todo vínculo con el público. Al igual que Cone, Babbitt divide la música en dos clasificaciones, pero no lo hace de acuerdo a su estructura, sino de acuerdo a su valor artístico. Así pues, encuentra que existe música “buena” y “mala”. Considera que la evolución de la música “buena” ha llegado a un alto grado de complejidad, y que solamente los especialistas en la materia pueden entenderla. Puesto que este tipo de música evolucionada no es en medida alguna un artículo de consumo, no resulta pues crucial en el cometido final de una obra musical si existe alguien que la pueda escuchar. Así expresaba Babbitt en 1958:
La divergencia sin precedente entre la música seria contemporánea y sus oyentes, por un lado, y la música tradicional y sus seguidores por el otro, no es accidental y probablemente, tampoco transitoria. Más bien es el resultado de medio siglo de revolución en el pensamiento musical, una revolución cuya naturaleza y consecuencias se pueden comparar solamente, y en muchos aspectos de cerca, con la revolución del mediados del siglo XIX en la física teórica. El efecto inmediato y profundo ha sido la creación de una necesidad en el músico instruido de reexaminar y poner a prueba los mismos fundamentos de su arte. Lo han obligado a reconocer la verdadera posibilidad y la vigencia de alternativas que alguna vez fueron reconocidas como absolutos musicales. [11]
Desde esta óptica, el silencio como parte de la estructura musical ya no tiene relevancia alguna, puesto que no interesa si la música llega o no a ser escuchada. Al no permitir a esta música “evolucionada” emerger más allá de ese plano de abstracción pura, ¿no significa esto condenarla al más absoluto silencio?
Naturalmente, no es la mayoría de los compositores del siglo XX y XXI los que han adoptado una posición tan radical. Otros más bien, como Sofia Guibadulina, Arvo Pärt, John Taverner y el mismo Cage, por nombrar algunos, han buscando un profundo acercamiento a la espiritualidad por medio de la creación musical, desde las raíces ortodoxas cristianas hasta el budismo zen. Y el silencio es piedra angular de esa búsqueda. En palabras de Cage “no puede ser correcto hacer música que no se estructure desde las puras raíces del sonido y del silencio.” [12]
[1] Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua. Vigésima segunda edición. Versión en línea [http://www.rae.es]
[2] Véase: Igor Stravinsky. Poetics of Music (Cambridge: Harvard University Press, 1942).
[3] Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua.
[4] Stravinsky, 23. Traducido por el autor.
[5] Robin Maconie. The Concept of Music (Oxford: Clarendon Press, 1990), 66. Traducido por el autor.
[6] Stravinksy, 28.
[7] Toru Takemitsu. El Diaro de un Compositor. Citado en Flora Elizondo. “El músico compositor y el proceso creativo.” En Revista Escena, Vol. 46, No. 23 (San José: Universidad de Costa Rica, 2000), 103.
[8] Edward T. Cone. “The Nature of Musical Form”. En Musical Form and Musical Performance (New York: W. W Norton, 1968), 11-31.
[9] Insto al lector a que en futuras audiciones de obras musicales, ya sea en grabaciones o conciertos en vivo, o bien al ejecutante a la hora de presentarse en público, tome una mayor conciencia de esos espacios silenciosos previos y posteriores a la música en sí, y advierta si experimenta un cambio en la manera en que se desarrolla el “fenómeno musical”.
[10] John Cage, entrevista con Roger Reynolds (1962). En Elliot Schwartz, ed. Contemporary Composers on Contemporary Music (New York: Da Capo Press, 1998), 340. Traducido por el autor.
[11] Milton Babbitt. “¿A quién le importa si usted escucha?” Reproducido en Gilbert Chase, ed. The American Composer Speaks (Baton Rouge: Louisiana State University Press, 1968), 236. Traducido por el autor.
[11] Citado en Elizondo, 104.
_________________________________________________________________
BIBLIOGRAFIA
Chase, Gilbert, ed. The American Composer Speaks. Baton Rouge: Louisiana State University Press, 1968.
Cone, Edward T. Musical Form and Musical Performance. New York: W. W Norton, 1968.
Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua. Vigésima segunda edición. Versión en línea [http://www.rae.es]
Elizondo, Flora. “El músico compositor y el proceso creativo.” En Revista Escena, Vol. 46, No. 23. San José: Universidad de Costa Rica, 2000, 93-104.
Gaarder, Jostein. El Mundo de Sofía. Barcelona: Ediciones Siruela, 1995.
Maconie, Robin. The Concept of Music. Oxford: Clarendon Press, 1990.
Marco, Tomás. Historia de la Música Occidental del Siglo XX. Madrid: Editorial Alpuerto, 2003.
Schwartz, Elliot, ed. Contemporary Composers on Contemporary Music. New York: Da Capo Press, 1998.
Stravinsky, Igor. Poetics of Music. Cambridge: Harvard University Press, 1942.
[2] Véase: Igor Stravinsky. Poetics of Music (Cambridge: Harvard University Press, 1942).
[3] Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua.
[4] Stravinsky, 23. Traducido por el autor.
[5] Robin Maconie. The Concept of Music (Oxford: Clarendon Press, 1990), 66. Traducido por el autor.
[6] Stravinksy, 28.
[7] Toru Takemitsu. El Diaro de un Compositor. Citado en Flora Elizondo. “El músico compositor y el proceso creativo.” En Revista Escena, Vol. 46, No. 23 (San José: Universidad de Costa Rica, 2000), 103.
[8] Edward T. Cone. “The Nature of Musical Form”. En Musical Form and Musical Performance (New York: W. W Norton, 1968), 11-31.
[9] Insto al lector a que en futuras audiciones de obras musicales, ya sea en grabaciones o conciertos en vivo, o bien al ejecutante a la hora de presentarse en público, tome una mayor conciencia de esos espacios silenciosos previos y posteriores a la música en sí, y advierta si experimenta un cambio en la manera en que se desarrolla el “fenómeno musical”.
[10] John Cage, entrevista con Roger Reynolds (1962). En Elliot Schwartz, ed. Contemporary Composers on Contemporary Music (New York: Da Capo Press, 1998), 340. Traducido por el autor.
[11] Milton Babbitt. “¿A quién le importa si usted escucha?” Reproducido en Gilbert Chase, ed. The American Composer Speaks (Baton Rouge: Louisiana State University Press, 1968), 236. Traducido por el autor.
[11] Citado en Elizondo, 104.
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BIBLIOGRAFIA
Chase, Gilbert, ed. The American Composer Speaks. Baton Rouge: Louisiana State University Press, 1968.
Cone, Edward T. Musical Form and Musical Performance. New York: W. W Norton, 1968.
Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua. Vigésima segunda edición. Versión en línea [http://www.rae.es]
Elizondo, Flora. “El músico compositor y el proceso creativo.” En Revista Escena, Vol. 46, No. 23. San José: Universidad de Costa Rica, 2000, 93-104.
Gaarder, Jostein. El Mundo de Sofía. Barcelona: Ediciones Siruela, 1995.
Maconie, Robin. The Concept of Music. Oxford: Clarendon Press, 1990.
Marco, Tomás. Historia de la Música Occidental del Siglo XX. Madrid: Editorial Alpuerto, 2003.
Schwartz, Elliot, ed. Contemporary Composers on Contemporary Music. New York: Da Capo Press, 1998.
Stravinsky, Igor. Poetics of Music. Cambridge: Harvard University Press, 1942.
El don secreto de la oscuridad
El desarrollo de métodos de aprendizaje alternativos ha permitido a invidentes de toda la provincia destacar en la pintura, el modelado, la música, el baile e incluso el teatro
TEXTO: DANIEL PÉREZ
Los ciegos somos ciegos, no tontos», recalca Chema Flores, animador sociocultural de la delegación de la ONCE en Jerez. El técnico, habituado a trabajar con deficientes visuales, reitera la máxima varias veces en el corto relato de su discurso. Se trata de una especie de mantra personal con el que enfrentar los tópicos manidos y simplistas que hacen que cualquier logro artístico protagonizado por una persona invidente parezca «casi un milagro». El ingenio, el talento, la voluntad y la perseverancia, en la mayoría de los casos, resultan valores capaces de salvar la carencia de un sentido tan elemental como la vista. Un ciego, hoy por hoy, armado de paciencia y con cierta habilidad, puede aprender a bailar, asistir a cineforums, tentar la guitarra flamenca, modelar arcilla, escenificar un drama e incluso pintar a oscuras. Y puede hacerlo mucho mejor que una persona normal, con todas sus facultades en forma. En la estrecha geografía de la provincia encontramos ejemplos concretos de todo ello. «Lo importante es reconocer nuestras limitaciones -explica Flores-, pero no dejar que ello suponga un obstáculo para intentar perfeccionar actividades culturales al uso, con ciertas modificaciones sobre los métodos de aprendizaje originales». En Cádiz, San Fernando y Algeciras se desarrollan talleres de pintura que cuentan con una enorme aceptación entre personas que tienen su capacidad visual mermada. Incluso los ciegos totales pueden permitirse experimentar con colores y formas. El secreto, básicamente, consiste en encontrar fórmulas alternativas para delimitar los contornos y marcar las tonalidades.Utilizan la plastilina, según cuenta Lucía Vila, monitora en San Fernando. Con tiras finas de este material perfilan las figuras, fragmentan el lienzo y, a partir de ahí, «juegan con colores previamente colocados de manera ordenada, aunque algunos de ellos no los hayan percibido completamente en su vida». Los resultados son tan espectaculares que Luz Marina Baras, responsable de actividades culturales de la ONCE en Cádiz, agrupó una serie de piezas en la colección Muestras y habilidades, que pronto se mostrará en El Palillero.
Ojos de alambre y papel
Las obras, algunas de ellas de una calidad creativa incuestionable, cuentan con un incentivo añadido para el espectador, que sabe que su autor ha tenido que emplear una dosis extra de imaginación e inventiva, para equilibrar el uso de medios de expresión amoldados a sus capacidades, de los que, no obstante, resultan composiciones radicalmente diferentes a cualquier pieza antes vista. Es habitual que los artistas empleen técnicas mixtas que incluyan texturas, relieves y rugosidades, ya que el tacto sigue siendo el sentido primordial para percibir la intencionalidad de lo creado. Néstor de Luca, uno de los grandes pintores ciegos, mentor del sitio www.lazarum.es, que promueve actividades culturales para discapacitados, recuerda perfectamente «cuando allá por 1998 escuché hablar por primera vez sobre pintura para ciegos. En ese tiempo suponía que jamás iba a tener la posibilidad de estar nuevamente en contacto con los colores y las formas, y cuando una amiga me comentó que existían talleres donde te enseñaban a pintar, me pregunté cómo sería la técnica utilizada para lograrlo».De Luca reconoce que intuía «una tecnología muy avanzada al servicio de la discapacidad, que mezclara nuevos conocimientos de última generación al servicio del arte. Mi sorpresa fue enorme cuando, una vez dentro de la institución, comprendí que todo iba a ser más simple de lo que me había imaginado. La tecnología punta que yo había supuesto necesaria para permitirle a una persona ciega pintar un cuadro se limitaba a un poco de alambre, papel de periódico viejo y pegamento». El equipo de docentes enseña a dibujar las formas deseadas con hilos, para después forrarlas con folios y sellarlas con cola. Luego pintarán las figuras con acrílico y finalmente las desplegarán sobre la superficie de la tela.
Imaginación en el tacto
«Así no sólo volví a estar en contacto con el arte, sino que además comencé a dar mis primeros pasos en el tema de los derechos a la inclusión de las personas sin importar su condición física», argumenta el pintor, quien afirma que «esta técnica posee una característica que a mi parecer acrecenta su valor, y es que gracias a su relieve, la pintura puede apreciarse no sólo por la vista, sino también por el tacto. Es decir, estos cuadros no sólo le ofrecen la posibilidad a una persona discapacitada como yo de que vuelva a reunirse con lo que tanto ama. Además tienen la hermosa particularidad de poder ser tocados, lo que implica que nadie quede excluido a la hora de disfrutarla». Manuel Cruzado, artista plástico de Jerez, asombra por el nivel figurativo de sus creaciones. Esculturas y modelados que se nutren de la aptitud imaginativa del autor, capaz de palpar con precisión un modelo -físico o material- y reproducirlo con un notable parecido. Cruzado es totalmente ciego, pero goza del don portentoso de apreciar con la yema de sus dedos hasta los mínimos matices del objeto o persona de referencia. Los museos tiflológicos se han multiplicado en los últimos años. Desde que la ONCE abriera el primero en Madrid, hace algo más de una década, comunidades autónomas como el País Vasco o Cataluña se han apresurado en ofrecer un servicio semejante, siempre en colaboración de entidades especializadas. A medida que el fenómeno se extendía, también pudo comprobarse que las piezas que gozaban de más aceptación por parte de usuarios ciegos eran aquellas realizadas por invidentes. «Es lógico -argumenta el experto Juan Carlos del Ramo-, puesto que nadie mejor que ellos conocen los mecanismos de percepción que se utilizan y, por lo tanto, saben aprovechar todos los recursos posibles». Formas, texturas y espacios entran en juego con olores e incluso con cambios de temperatura, mecanismos cada vez más sofisticados gracias a los nuevos sistemas informáticos. «Cuando una persona no ve, el cuerpo reacciona desarrollando otros sentidos, afinándolos, sobre todo el tacto y el oído», apunta del Ramo.
El guitarrista ciego
Mucho de eso tiene que ver con el éxito de los talleres de música para invidentes, de los que también han surgido algunas figuras de cierto nivel. Ignasi Tarrasa y Mónica Monasterio acumulan una merecida fama en el panorama nacional, y, en Jerez, Juan Miguel Ramos Plazoleta se ha labrado un nombre propio en el flamenco por su capacidad asombrosa al toque de una guitarra española. En estos casos, aunque el método de aprendizaje puede ser más complejo, los resultados de las interpretaciones no tienen por qué desmerecer a la de autores que mantengan su capacidad visual intacta, y es bastante habitual que las superen. José Manuel Rodríguez, profesor de música que ha trabajado durante años con personas invidentes, explica la técnica: «Un músico tiene que tener buen oído, lo demás es secundario. Una vez que se familiarizan con el instrumento y lo controlan, la vista es completamente secundaria, aunque las partituras, obviamente, tienen que memorizarse, puesto que no se puede tocar y leer un pentagrama a la vez». Además «la oscuridad absoluta lleva a un nivel sensitivo especial, relacionado con la concentración y la percepción intensa de los sonidos, con lo cual se convierte en especialmente provechosa para materias como la improvisación, o la emulación de partituras».
Teatro a oscuras
El teatro hecho por ciegos tiene también nombre propio. La compañía gaditana Orozú lleva desde 1993 acumulando premios. Nació amparada por el Movimiento Teatral ONCE, una tendencia de gran tradición que contaba por entonces con más de veinte compañías estables y otros tantos talleres a nivel nacional.En pocos años alcanzó la estabilidad dentro de los circuitos especializados, aunque pronto saltó a otros programas y ciclos, mezclándose y compitiendo con grupos de toda la geografía española. Desde sus comienzos, Orozú se inclinó por la comedia, tocando todos sus palos y una gran diversidad de autores. Lo que define a la compañía es su manera de afrontar el hecho escénico, que los lleva a utilizar recursos dramáticos de todo tipo. Se versionan los textos y, si procede, se actualizan, pero lo que caracteriza sus montajes es el acercamiento a la tierra, a la forma de sentir el teatro «por gaditanos andaluces», entroncándolo con sus raíces, hecho que ha merecido el reconocimiento del público y la crítica, que destaca especialmente la proyección que Orozú hace del divertimento, la frescura escénica y su «fiesta teatral». Entre sus componentes, y como prueba de integración, hay actores ciegos y videntes, en una convivencia perfectamente normal, dirigidos por Andrés Alcántara.Los montajes no se enfocan bajo el prisma de la «discapacidad», sino de la «capacidad artística» de sus actores. Prueba de ello son los modelos escenográficos, el dinamismo espacial, los movimientos grupales, de los que hace gala en cada función. Actualmente cuentan con once actores, de los cuales cinco son ciegos totales, tres son deficientes visuales y tres videntes.Poco antes de morir, el famoso pianista ciego Ray Charles recibió la propuesta de un equipo de médicos para que se sometiera a un método experimental que podría devolverle la vista. Cuando se negó, los especialistas publicaron una dura réplica en la que acusaron a Charles de dar un mal ejemplo a otros invidentes «por simple cobardía». Ray les contestó: «Puedo recuperar mis ojos y perder mi música. Si no son capaces de entender eso, es que son ellos los que están ciegos».
Publicado el 4 ed febrero del 2007
Fuente: www.lavozdigital.es
viernes 21 de noviembre de 2008
A veces el buen humor es la mejor "medicina"...
RISOTERAPIA
Escrito por ÁNGELES LÓPEZ
Esta ama de casa de 54 años era, según cuenta ella misma, una persona muy seria. «Antes me dedicaba a mi hogar y nada más. Tras esta terapia vi que había muchas cosas por hacer como la cerámica o la pintura. Hoy expongo dos obras realizadas con la técnica de pastel. Ahora salgo de casa y vivo», explica Rosa María Andrés.
Los tonos pastel parecen haber impregnado su vida, mucho más dulce ahora. «Cuando asisto a los talleres de la risa es como entrar en un sitio donde no hay problemas, todos damos y todos recogemos. Empiezas a tener ganas de experimentar, esta técnica te abre muchas puertas, ves un horizonte nuevo».
María Cruz García Rodera, fundadora de la Escuela Dinámica y Terapia de la Risa en el Centro de Salud Inteligente, explica que «la risa es el mejor compañero que puedes tener en tu camino. Además de ser gratuita es sinónimo de vida y crecimiento, con ella puedes superar y gozar de las cosas cotidianas».
«En tres horas, la risa puede cambiar los resultados de una analítica porque disminuye el colesterol, produce una activación cerebral donde se aumenta la liberación de neurotransmisores que dan lugar a una sensación placentera y sedante», explica esta terapeuta.
Hay muchas personas que se benefician con esta técnica, «los depresivos son muy agradecidos porque tienen unos niveles muy bajos de serotonina y dopamina» --sustancias cerebrales-- que con la carcajada aumentan y mejora su estado». También todas las patologías del sistema inmunológico mejoran con esta terapia, «cuando una persona busca y consigue energía positiva, su cuerpo responde totalmente».
Los recelos de la ciencia occidental
Eduardo Salvador, doctor en Psicología Social, explica que «la risa es uno de los misterios más antiguos de la ciencia y lo sigue siendo». Existen cinco explicaciones teóricas sobre la risa: de la superioridad, de la incongruencia, de la catarsis y del juego. Él tiene una teoría alternativa y que está basada en la metáfora teatral de la vida. «Cuando el personaje que representamos se viene abajo por alguna circunstancia, ese momento provoca la risa en los demás y en el actor la vergüenza. En esa situación, lo mejor es reírse de uno mismo. No debemos tomarnos muy en serio».
«En Oriente, la risa es muy apreciada, los budistas zen buscan la iluminación a través de una gran carcajada. Sin embargo, la filosofía de Occidente no ha considerado bien a las personas divertidas o con humor, probablemente esto se relacione con el cristianismo donde está bien visto sufrir en este mundo para conseguir una recompensa en el otro», comenta Eduardo.
Sin embargo, cada día son más los profesionales de la salud que se interesan por este tipo de terapia y se acercan a ella con voluntad de aplicarla con sus enfermos.
El jefe del Servicio de Oncología Médica y Cuidados Paliativos del Hospital Universitario de Valdecilla explica en un artículo publicado en la revista 'Medicina Clínica' que «el sentido del humor es la capacidad natural de la especie humana que hace que la vida no sólo sea soportable, sino además rica, placentera y deseable. La risa es la distancia más corta entre dos personas».
«A veces tenemos miedo a ser malinterpretados, a parecer vulgares en lugar de unos profesionales serios y sesudos. Sin embargo, es de vital importancia que, como pacientes, asistentes sanitarios o alguien a quien le importa el bienestar del enfermo, mantengamos la moral elevada y una actitud positiva que incluya la esperanza, la alegría y la risa», continúa este oncólogo.
Para todos los públicos
Leyda Barrena, trabajadora social por la Universidad del Valle en Colombia, lleva 12 años en España investigando con la risa. Explica que tras varias carcajadas aumentan la ventilación y la sangre se oxigena. La risa está conectada con el hemisferio derecho parte del cerebro responsable de la creatividad, la intuición, el juego y el arte.
Son muchas las aplicaciones de esta terapia, algo que sabe bien Leyda que en la 'Academia de la Risa' imparte clases a personas con Alzheimer como a ejecutivos o adolescentes. «La risa es la libertad, con ella nos libramos del estrés y la ansiedad acumulados, las hormonas que se activan tras una carcajada confieren bienestar».
Rosa María lo tiene claro «la risa te abre muchos canales, te da ganas de aprovechar los momentos de la vida y de disfrutar con todo lo que haces». Beneficios que no sólo ella ha detectado, «mis hijos me preguntan que cuándo me toca ir a clase de risoterapia, porque aunque ya tengo el título de formadora me gusta ir de vez en cuando, y es que la mamá triste de antes se ha vuelto alegre y más comprensiva. Creo que hasta mi perro nota la diferencia, y además creo que lo he contagiado, ha pasado de estar con una mirada triste a estar más activo y contento».
Esta defensora de la risa anima a todos a probar esta terapia, «aunque no tengan grandes problemas siempre es enriquecedor. Yo 'me tiré al ruedo'; y estoy encantada».
Direcciones de Interés:
- Centro Salud-Inteligente: http://www.risa-saludinteligente.com/800/default.htm
- Leyda Barrena, de la Academia de la Risa: 670838221.
A proposito de la risa:
Escrito por ÁNGELES LÓPEZ
Rosa María sintió que se venía abajo cuando murió su madre, no podía superar el proceso de duelo. Un buen día, hace ahora dos años, escuchó en la radio algo sobre la risoterapia y dijo «esto es lo mío». Se fue de Castellón de la Plana, donde vive, a Barcelona para comenzar a formarse en esta técnica. A partir de ese momento, «empezó a cambiar mi vida».
Esta ama de casa de 54 años era, según cuenta ella misma, una persona muy seria. «Antes me dedicaba a mi hogar y nada más. Tras esta terapia vi que había muchas cosas por hacer como la cerámica o la pintura. Hoy expongo dos obras realizadas con la técnica de pastel. Ahora salgo de casa y vivo», explica Rosa María Andrés.
Los tonos pastel parecen haber impregnado su vida, mucho más dulce ahora. «Cuando asisto a los talleres de la risa es como entrar en un sitio donde no hay problemas, todos damos y todos recogemos. Empiezas a tener ganas de experimentar, esta técnica te abre muchas puertas, ves un horizonte nuevo».
María Cruz García Rodera, fundadora de la Escuela Dinámica y Terapia de la Risa en el Centro de Salud Inteligente, explica que «la risa es el mejor compañero que puedes tener en tu camino. Además de ser gratuita es sinónimo de vida y crecimiento, con ella puedes superar y gozar de las cosas cotidianas».
«En tres horas, la risa puede cambiar los resultados de una analítica porque disminuye el colesterol, produce una activación cerebral donde se aumenta la liberación de neurotransmisores que dan lugar a una sensación placentera y sedante», explica esta terapeuta.
Hay muchas personas que se benefician con esta técnica, «los depresivos son muy agradecidos porque tienen unos niveles muy bajos de serotonina y dopamina» --sustancias cerebrales-- que con la carcajada aumentan y mejora su estado». También todas las patologías del sistema inmunológico mejoran con esta terapia, «cuando una persona busca y consigue energía positiva, su cuerpo responde totalmente».
Los recelos de la ciencia occidental
Eduardo Salvador, doctor en Psicología Social, explica que «la risa es uno de los misterios más antiguos de la ciencia y lo sigue siendo». Existen cinco explicaciones teóricas sobre la risa: de la superioridad, de la incongruencia, de la catarsis y del juego. Él tiene una teoría alternativa y que está basada en la metáfora teatral de la vida. «Cuando el personaje que representamos se viene abajo por alguna circunstancia, ese momento provoca la risa en los demás y en el actor la vergüenza. En esa situación, lo mejor es reírse de uno mismo. No debemos tomarnos muy en serio».
«En Oriente, la risa es muy apreciada, los budistas zen buscan la iluminación a través de una gran carcajada. Sin embargo, la filosofía de Occidente no ha considerado bien a las personas divertidas o con humor, probablemente esto se relacione con el cristianismo donde está bien visto sufrir en este mundo para conseguir una recompensa en el otro», comenta Eduardo.
Sin embargo, cada día son más los profesionales de la salud que se interesan por este tipo de terapia y se acercan a ella con voluntad de aplicarla con sus enfermos.
El jefe del Servicio de Oncología Médica y Cuidados Paliativos del Hospital Universitario de Valdecilla explica en un artículo publicado en la revista 'Medicina Clínica' que «el sentido del humor es la capacidad natural de la especie humana que hace que la vida no sólo sea soportable, sino además rica, placentera y deseable. La risa es la distancia más corta entre dos personas».
«A veces tenemos miedo a ser malinterpretados, a parecer vulgares en lugar de unos profesionales serios y sesudos. Sin embargo, es de vital importancia que, como pacientes, asistentes sanitarios o alguien a quien le importa el bienestar del enfermo, mantengamos la moral elevada y una actitud positiva que incluya la esperanza, la alegría y la risa», continúa este oncólogo.
Para todos los públicos
Leyda Barrena, trabajadora social por la Universidad del Valle en Colombia, lleva 12 años en España investigando con la risa. Explica que tras varias carcajadas aumentan la ventilación y la sangre se oxigena. La risa está conectada con el hemisferio derecho parte del cerebro responsable de la creatividad, la intuición, el juego y el arte.
Son muchas las aplicaciones de esta terapia, algo que sabe bien Leyda que en la 'Academia de la Risa' imparte clases a personas con Alzheimer como a ejecutivos o adolescentes. «La risa es la libertad, con ella nos libramos del estrés y la ansiedad acumulados, las hormonas que se activan tras una carcajada confieren bienestar».
Rosa María lo tiene claro «la risa te abre muchos canales, te da ganas de aprovechar los momentos de la vida y de disfrutar con todo lo que haces». Beneficios que no sólo ella ha detectado, «mis hijos me preguntan que cuándo me toca ir a clase de risoterapia, porque aunque ya tengo el título de formadora me gusta ir de vez en cuando, y es que la mamá triste de antes se ha vuelto alegre y más comprensiva. Creo que hasta mi perro nota la diferencia, y además creo que lo he contagiado, ha pasado de estar con una mirada triste a estar más activo y contento».
Esta defensora de la risa anima a todos a probar esta terapia, «aunque no tengan grandes problemas siempre es enriquecedor. Yo 'me tiré al ruedo'; y estoy encantada».
Direcciones de Interés:
- Centro Salud-Inteligente: http://www.risa-saludinteligente.com/800/default.htm
- Leyda Barrena, de la Academia de la Risa: 670838221.
A proposito de la risa:
El príncipe y su bur... Caballo
Y el príncipe, tras cien años esperando, apareció montado en un precioso burro para rescatar a su amada del sueño eterno en el que….- ¡Tú si que eres burro! El príncipe tiene que ir montado a caballo, no en un burro…- Bueno, ¿y qué más da? ¿Cien años esperándolo y lo criticas por venir montado en un burro? Como te oiga es capaz de dar media vuelta…- Es cierto. Pero escribe que venía montado a caballo. Si la princesa se entera, la tenemos durmiendo cien años más…
Sara López
jueves 23 de octubre de 2008
¿ARTE Y DISCAPACIDAD?
Por:
Mª Jesús Herreros de Tejada Perales
Directora del Museo de Historia y Cultura
“Casa Pedrilla”
De nuevo me enfrento al tema que nos une en estas jornadas. El pasado año intenté expresar mi opinión sobre una idea cuestionable ¿se puede hablar de arte como algo diferente en la discapacidad?
Creo recordar que llegué a la conclusión de que para ser artista, de que para el arte, para crearlo, sentirlo y vivirlo, lo que menos importan son los inconvenientes funcionales, pues lo que realmente afecta es la actitud del espectador o del creador ante lo que tiene a su alrededor, su capacidad perceptiva del entorno, que nada tiene que ver con una discapacidad física.
Recuerdo que hablé del ruido, de las emisiones brutales y constantes, de las interferencias continuas a las que estamos sometidos.
Y por este camino voy a seguir, centrándome en una figura, en un gran artista que libre de este entorno ruidoso por padecer sordera, y al que además le faltó la palabra, fue capaz de transmitir un rico mundo interior, el cacereño EULOGIO BLASCO LÓPEZ, conocido por todos como “El mudo”:
Eulogio Blasco sintió la necesidad del arte, primero como creador sacando la riqueza y la habilidad que había en él, y después como medio fundamental de contactar con el exterior, con el espectador.
La sensibilidad del artista, el aprendizaje y su creatividad, hicieron que Eulogio Blasco (1890-1960) fuera un gran creador en su tiempo, polifacético de las artes: dibujo, pintura, repujado, grabado y escultura, con un estilo muy personal e innovador para la plástica que en su momento se producía en nuestra ciudad.
Su habilidad para tan diferentes expresiones artísticas ha servido para que, en un reconocimiento oficial, la Escuela de Bellas Artes de la Institución Cultural “El Brocense”, de la Diputación de Cáceres lleve su nombre, de la que fue profesor, y además un gran maestro.
Eulogio Blasco fue capaz de expresarse a través del arte, fue capaz de transmitir y fue aceptado.
Ante esto, creo que esta claro que no se puede hablar de arte y discapacidad. Cualquiera de los artistas que participan en esta convocatoria, crea su obra en función de transmitir un sentimiento, al igual que cualquier otro y tiene el mismo deseo de que llegue a los demás, y de que tenga ese reconocimiento, si no, no participaría en ella.
Cáceres, noviembre de 2005
Mª Jesús Herreros de Tejada Perales
Directora del Museo de Historia y Cultura
“Casa Pedrilla”
De nuevo me enfrento al tema que nos une en estas jornadas. El pasado año intenté expresar mi opinión sobre una idea cuestionable ¿se puede hablar de arte como algo diferente en la discapacidad?
Creo recordar que llegué a la conclusión de que para ser artista, de que para el arte, para crearlo, sentirlo y vivirlo, lo que menos importan son los inconvenientes funcionales, pues lo que realmente afecta es la actitud del espectador o del creador ante lo que tiene a su alrededor, su capacidad perceptiva del entorno, que nada tiene que ver con una discapacidad física.
Recuerdo que hablé del ruido, de las emisiones brutales y constantes, de las interferencias continuas a las que estamos sometidos.
Y por este camino voy a seguir, centrándome en una figura, en un gran artista que libre de este entorno ruidoso por padecer sordera, y al que además le faltó la palabra, fue capaz de transmitir un rico mundo interior, el cacereño EULOGIO BLASCO LÓPEZ, conocido por todos como “El mudo”:
Eulogio Blasco sintió la necesidad del arte, primero como creador sacando la riqueza y la habilidad que había en él, y después como medio fundamental de contactar con el exterior, con el espectador.
La sensibilidad del artista, el aprendizaje y su creatividad, hicieron que Eulogio Blasco (1890-1960) fuera un gran creador en su tiempo, polifacético de las artes: dibujo, pintura, repujado, grabado y escultura, con un estilo muy personal e innovador para la plástica que en su momento se producía en nuestra ciudad.
Su habilidad para tan diferentes expresiones artísticas ha servido para que, en un reconocimiento oficial, la Escuela de Bellas Artes de la Institución Cultural “El Brocense”, de la Diputación de Cáceres lleve su nombre, de la que fue profesor, y además un gran maestro.
Eulogio Blasco fue capaz de expresarse a través del arte, fue capaz de transmitir y fue aceptado.
Ante esto, creo que esta claro que no se puede hablar de arte y discapacidad. Cualquiera de los artistas que participan en esta convocatoria, crea su obra en función de transmitir un sentimiento, al igual que cualquier otro y tiene el mismo deseo de que llegue a los demás, y de que tenga ese reconocimiento, si no, no participaría en ella.
Cáceres, noviembre de 2005
Beneficios del arte en personas con discapacidad
Por AZUCENA GARCÍA
Fecha de publicación: 19 de febrero de 2008
Fuente : CONSUMER EROSKI
La pintura, la danza o el teatro son una excelente herramienta de comunicación que favorece la integración
El arte es un magnífico vehículo de expresión. Permite desarrollar la imaginación, potencia la autonomía y favorece la integración. Sus beneficios son indiscutibles y, por ello, se aprovechan para mejorar la calidad de vida de las personas con discapacidad.
La creatividad artística es un bien común. En mayor o menor medida, todas las personas son capaces de desarrollarla si encuentran el entorno adecuado. La Asociación Cultural Capacit@rte es una de las entidades pioneras en este campo. Su objetivo es potenciar la creatividad para mejorar la salud "en la medida de lo posible". "Está comprobado que la salud de las personas mejora cuando sus trabajos se exponen en galerías y, de alguna manera, su esfuerzo se ve reconocido", subraya Víctor López, director de Capacit@rte.
Esta asociación organiza talleres de pintura, fotografía, artes escénicas, cerámica, escultura o música, a los que acuden personas con y sin discapacidad. De esta manera, se facilita también la integración social a través del arte, ya que cada persona "aporta su ayuda, ilusión y conocimientos". "Esta aportación es muy enriquecedora, el contacto directo hace que los alumnos puedan establecer relaciones que, de forma gradual, consiguen una plena integración", explican en la entidad.
"La salud de las personas mejora cuando sus trabajos se exponen en galerías y, de alguna manera, su esfuerzo se ve reconocido"
Las personas que acuden a la asociación comparten inquietudes artísticas o creativas, pero además presentan, en su mayoría, alguna dificultad mental de naturaleza crónica o transitoria. No es necesario tener unas aptitudes o habilidades específicas. Se realizan actividades con artistas, personas interesadas, familiares, amigos y, en general, con todos aquellos que tienen interés en la creatividad, el arte y la cultura. El fin último es atender, a través del arte, la demanda de actividades de ocio y tiempo libre.
Profesionalización
El arte puede ser entendido como terapia o como educación artística. Al menos, ésta es la aspiración de la Fundación Igualarte. Según explica su presidenta, Cristina Lago, el objetivo es que "se empiecen a valorar las potencialidades de la persona, no su cociente intelectual". Se busca que la expresión artística se convierta en una salida profesional, en lugar de una terapia, para las personas con discapacidad. "Hay que empezar a entender que el arte forma parte de su vida", precisa Lago.
"Tienen que empezar a valorarse las potencialidades de la persona, no su cociente intelectual"
La Fundación Igualarte trabaja con personas que tienen necesidades educativas especiales o alguna discapacidad. Los alumnos y alumnas tienen "entre 2 y 50 años". Se organizan grupos por edades, se busca una metodología adecuada para cada grupo y se adaptan los materiales a sus necesidades, de manera que puedan vivir la plenitud del arte. Hay talleres de canto, baile, expresión corporal y teatral, educación musical y expresión plástica. Los alumnos y alumnas pasan por todas estas disciplinas antes de decidirse por una.
En total, la formación dura varios años, por lo que el objetivo es que la Fundación sea reconocida como escuela artística para que quienes acuden a ella puedan obtener un título o formar una compañía profesional. En definitiva, se trata de que el arte emocione y no deje indiferente a nadie, "pero por el arte en sí mismo, no porque lo realizan personas con una discapacidad", recalca Cristina Lago. "Hay personas que no pueden tocar con la mano, pero tocan con la barbilla o con un pie y hacen música igual", añade.
Síndrome de down: Las personas con síndrome de down tienen un don especial para el arte. Sobre todo, destacan en danza y en pintura. Sus dibujos se caracterizan por colores muy brillantes y líneas simples, mientras que en el baile "no son Nureyev, pero el resultado es muy satisfactorio", apunta Víctor Ruiz, responsable de Arte Down. Con sus propias singularidades, conforman todo un universo artístico.
Las personas con síndrome de down pintan lo que ven, tal y como lo ven. Sus creaciones son directas, muy emocionales y positivas. Incluso algunas han encontrado una salida laboral a través del arte. "Varias empresas ya nos han comprado algunos cuadros", revela Ruiz. La finalidad es mantenerse en este camino para que las ventas sean una fuente importante de motivación, que mejore las posibilidades de inserción laboral.
Los cuadros que pintan las personas con síndrome de down les permiten expresarse mediante su creatividad y expresividad "porque viven mucho tiempo incomunicados". Además, la Fundación Síndrome de Down de Madrid organiza clases de bailes de salón, cursos de pintura, literatura y manejo de ordenador para fomentar la socialización y que aprendan a navegar por Internet, por ejemplo, "como cualquier otra persona". Se trata de ocupar su tiempo de manera útil y facilitarles el acceso a aquellas disciplinas que más les gustan.
"Hemos creado un nuevo estilo: el arte down"
En este sentido, el teatro es un arte por el que sienten "verdadera fascinación", según Ruiz. Les atrae el reconocimiento social, la presencia del público y los aplausos, pero además les anima a poner a prueba su capacidad de esfuerzo. Si bien les cuesta más memorizar, saben potenciar con maestría otras capacidades. "Hemos creado un nuevo estilo: el arte down", concluye Ruiz.
Contactos:
Asociación Cultural Capacit@rte 950 082 010
Fundación Igualarte 986 117 370
Fundación Síndrome Down de Madrid 913 105 364
Arte Down http://www.artedown.com/
Fecha de publicación: 19 de febrero de 2008
Fuente : CONSUMER EROSKI
La pintura, la danza o el teatro son una excelente herramienta de comunicación que favorece la integración
El arte es un magnífico vehículo de expresión. Permite desarrollar la imaginación, potencia la autonomía y favorece la integración. Sus beneficios son indiscutibles y, por ello, se aprovechan para mejorar la calidad de vida de las personas con discapacidad.
La creatividad artística es un bien común. En mayor o menor medida, todas las personas son capaces de desarrollarla si encuentran el entorno adecuado. La Asociación Cultural Capacit@rte es una de las entidades pioneras en este campo. Su objetivo es potenciar la creatividad para mejorar la salud "en la medida de lo posible". "Está comprobado que la salud de las personas mejora cuando sus trabajos se exponen en galerías y, de alguna manera, su esfuerzo se ve reconocido", subraya Víctor López, director de Capacit@rte.
Esta asociación organiza talleres de pintura, fotografía, artes escénicas, cerámica, escultura o música, a los que acuden personas con y sin discapacidad. De esta manera, se facilita también la integración social a través del arte, ya que cada persona "aporta su ayuda, ilusión y conocimientos". "Esta aportación es muy enriquecedora, el contacto directo hace que los alumnos puedan establecer relaciones que, de forma gradual, consiguen una plena integración", explican en la entidad.
"La salud de las personas mejora cuando sus trabajos se exponen en galerías y, de alguna manera, su esfuerzo se ve reconocido"
Las personas que acuden a la asociación comparten inquietudes artísticas o creativas, pero además presentan, en su mayoría, alguna dificultad mental de naturaleza crónica o transitoria. No es necesario tener unas aptitudes o habilidades específicas. Se realizan actividades con artistas, personas interesadas, familiares, amigos y, en general, con todos aquellos que tienen interés en la creatividad, el arte y la cultura. El fin último es atender, a través del arte, la demanda de actividades de ocio y tiempo libre.
Profesionalización
El arte puede ser entendido como terapia o como educación artística. Al menos, ésta es la aspiración de la Fundación Igualarte. Según explica su presidenta, Cristina Lago, el objetivo es que "se empiecen a valorar las potencialidades de la persona, no su cociente intelectual". Se busca que la expresión artística se convierta en una salida profesional, en lugar de una terapia, para las personas con discapacidad. "Hay que empezar a entender que el arte forma parte de su vida", precisa Lago.
"Tienen que empezar a valorarse las potencialidades de la persona, no su cociente intelectual"
La Fundación Igualarte trabaja con personas que tienen necesidades educativas especiales o alguna discapacidad. Los alumnos y alumnas tienen "entre 2 y 50 años". Se organizan grupos por edades, se busca una metodología adecuada para cada grupo y se adaptan los materiales a sus necesidades, de manera que puedan vivir la plenitud del arte. Hay talleres de canto, baile, expresión corporal y teatral, educación musical y expresión plástica. Los alumnos y alumnas pasan por todas estas disciplinas antes de decidirse por una.
En total, la formación dura varios años, por lo que el objetivo es que la Fundación sea reconocida como escuela artística para que quienes acuden a ella puedan obtener un título o formar una compañía profesional. En definitiva, se trata de que el arte emocione y no deje indiferente a nadie, "pero por el arte en sí mismo, no porque lo realizan personas con una discapacidad", recalca Cristina Lago. "Hay personas que no pueden tocar con la mano, pero tocan con la barbilla o con un pie y hacen música igual", añade.
Síndrome de down: Las personas con síndrome de down tienen un don especial para el arte. Sobre todo, destacan en danza y en pintura. Sus dibujos se caracterizan por colores muy brillantes y líneas simples, mientras que en el baile "no son Nureyev, pero el resultado es muy satisfactorio", apunta Víctor Ruiz, responsable de Arte Down. Con sus propias singularidades, conforman todo un universo artístico.
Las personas con síndrome de down pintan lo que ven, tal y como lo ven. Sus creaciones son directas, muy emocionales y positivas. Incluso algunas han encontrado una salida laboral a través del arte. "Varias empresas ya nos han comprado algunos cuadros", revela Ruiz. La finalidad es mantenerse en este camino para que las ventas sean una fuente importante de motivación, que mejore las posibilidades de inserción laboral.
Los cuadros que pintan las personas con síndrome de down les permiten expresarse mediante su creatividad y expresividad "porque viven mucho tiempo incomunicados". Además, la Fundación Síndrome de Down de Madrid organiza clases de bailes de salón, cursos de pintura, literatura y manejo de ordenador para fomentar la socialización y que aprendan a navegar por Internet, por ejemplo, "como cualquier otra persona". Se trata de ocupar su tiempo de manera útil y facilitarles el acceso a aquellas disciplinas que más les gustan.
"Hemos creado un nuevo estilo: el arte down"
En este sentido, el teatro es un arte por el que sienten "verdadera fascinación", según Ruiz. Les atrae el reconocimiento social, la presencia del público y los aplausos, pero además les anima a poner a prueba su capacidad de esfuerzo. Si bien les cuesta más memorizar, saben potenciar con maestría otras capacidades. "Hemos creado un nuevo estilo: el arte down", concluye Ruiz.
Contactos:
Asociación Cultural Capacit@rte 950 082 010
Fundación Igualarte 986 117 370
Fundación Síndrome Down de Madrid 913 105 364
Arte Down http://www.artedown.com/
Desde Sevilla : Danza y discapacidad intelectual
La Compañía Danza Mobile es una compañía de danza sevillana que viene funcionando desde 1996, con la particularidad de incorporar en sus producciones a bailarines con discapacidad intelectual, los cuales se forman en el Centro de Artes Escénicas “Danza Mobile”. Como tal ha producido 11 espectáculos.
En un principio, la Compañía de Danza nació con la intención de ser un escaparate donde mostrar que toda persona tiene derecho a subirse a un escenario sí tiene algo que decir y posee la preparación necesaria para hacerlo. La compañía se funda también con miras a una salida profesional del alumnado del Centro de Artes Escénicas. Pero más allá de esto, el objetivo fundamental que promovió su creación fue el de introducir a una Compañía de Danza, que trabaja con personas con discapacidad intelectual, en los circuitos normalizados de danza, con la intención de que, público, crítica y mercado, valoraran su calidad artística al margen de su discapacidad.
(..) y gracias a la aportación profesional de artistas de reconocido prestigio que se han atrevido a romper el pudor que provoca trabajar con personas discapacitadas a un nivel profesional, la Compañía Danza Mobile ha podido crecer en la calidad artística de sus espectáculos, hasta el punto de gozar hoy en día del reconocimiento de su alta calidad artística, dentro de los circuitos normalizados de danza.
En un principio, la Compañía de Danza nació con la intención de ser un escaparate donde mostrar que toda persona tiene derecho a subirse a un escenario sí tiene algo que decir y posee la preparación necesaria para hacerlo. La compañía se funda también con miras a una salida profesional del alumnado del Centro de Artes Escénicas. Pero más allá de esto, el objetivo fundamental que promovió su creación fue el de introducir a una Compañía de Danza, que trabaja con personas con discapacidad intelectual, en los circuitos normalizados de danza, con la intención de que, público, crítica y mercado, valoraran su calidad artística al margen de su discapacidad.
(..) y gracias a la aportación profesional de artistas de reconocido prestigio que se han atrevido a romper el pudor que provoca trabajar con personas discapacitadas a un nivel profesional, la Compañía Danza Mobile ha podido crecer en la calidad artística de sus espectáculos, hasta el punto de gozar hoy en día del reconocimiento de su alta calidad artística, dentro de los circuitos normalizados de danza.
Fuente: http://www.danzamobile.es
info@danzamobile.es · danzamobile@danzamobile.es
Sevilla teléfono y fax (+34) 954 378 816
domingo 19 de octubre de 2008
Y pinté la puerta...y me libré del abandono…
Esta vez…
no encontré mejor manera de presentar a Olivia que...
traer hasta aquí las líneas que siguen y que además,
son reveladoras del alma y corazón de esta maravillosa persona.
Olivia se une desde hoy al equipo de arte y discapacidad, por esos encuentros fortuitos que a veces regala la vida. Y que nos traen siempre más de una maravillosa sorpresa…Bienvenida Olivia!
Septiembre 22, 2008
A pesar de vivir cerca del mar, desde las ventanas de mi casa no se vislumbraba ningún paisaje y la puerta era una puerta que se cerraba y que se abría a una calle sin interés. La pintura tiene el don mágico de crear a través del vacío una perspectiva y una línea de horizonte lejana… Y pinté la puerta.
De la misma manera que podemos transformar limitaciones en oportunidades, también podemos transformar espacios cerrados en nuevos horizontes. Este símbolo se adapta a cualquier otro aspecto de nuestras vidas. Es una alquimia… Transformamos al vacío en formas, de la misma manera que transformamos al sufrimiento en sabiduría.
¿Porqué no?
Octubre 8, 2008
Como ya he escrito antes, tengo una perdida auditiva muy profunda, una otosclerosis progresiva que me ha llevado poco a poco al silencio total. Es una larga historia que empezó con mis 14 años, cuando descubrieron que no escuchaba nada del oído izquierdo…porque ni yo me había dado cuenta!.
Me operaron y escuché durante unos años normalmente pero la otosclerosis siguió avanzando hasta dejarme nuevamente en el silencio de ese oído. Hubo una segunda operación pero fracasó y luego empecé a perder paulatinamente la audición en el oído derecho.
Los aparatos auditivos ayudaron a mantenerme comunicada pero año a año he ido comprando aparatos más potentes ya que la otosclerosis seguía avanzando.
Al quedarme un 10% de audición la progresión se estancó y aprendí a codificar los sonidos a través de un aparato digital, con el cual casi no escuchaba los sonidos de fondo pero lograba entender bastante bien la palabra, que completaba con la lectura labial.
En febrero del año 2007 mi vida dio un giro y quedé en el silencio absoluto durante un año completo. Todo ello por causa de un baño de vapor, algo tan estúpido e intrascendente. Pues si, me invitaron inocentemente a este baño de vapor relajante y me entró agua dentro de la trompa del oído hasta el día de hoy.
He ido a miles de médicos y he hecho otros miles de tratamientos, también me perforaron la trompa con láser para quitar el agua pero nunca más volví a escuchar lo poquito e indispensable que yo escuchaba antes.
Me sentía muy frustrada y muy angustiada, no podía entender como esto me había pasado, quería volver en el tiempo, dar la media vuelta y no entrar en ese cuarto lleno de vapor.
Decidí luchar contra el aislamiento y busqué una profesora de pintura. Siempre había querido estudiar pintura y tuve la suerte de conocer una grande maestra y un ser humano maravilloso. Ella y sus alumnas me han acogido con muchísimo cariño, su taller se volvió mi segunda casa.
Y como son las cosas… una alumna me habló de un médico y lo fui a ver. Fue mi segunda salvación ya que este médico es el mejor cirujano de implantes cocleares en Argentina y también es muy humano.
Pasado mañana, jueves 9 de octubre, él me va a hacer el implante en el oído izquierdo y eso puede cambiar mi vida radicalmente.
Fue una decisión difícil de tomar pero el silencio me dio el impulso.
Al poco tiempo de conocer al medico, lo volví a ver con mucha angustia, para decirle que el silencio me estaba volviendo loca y él me presentó la psicóloga de su equipo…otro salvavidas. Ella me explicó que lo que me pasaba era de lo más normal y propuso que pinte mi angustia, una forma de liberarme de ella, de expresarla, de enfrentarla, de aceptarla… y eso hice en el taller.
Pinté niños abandonados en el submundo urbano. Una de las niñas pide, los otros dos aspiran pegamento y la otra come ansiosamente. Le puse de nombre Abandono.
No sé porque pinté eso, yo tenía otra idea en mente… fue un “vómito”… Así me sentía yo…abandonada, en un espacio infinitamente silencioso.
Estos niños muestran la parte cruda de la realidad brasileña, no he necesitado ver ninguna foto para dibujarlos ya que los tengo grabados en mi mente. En ese país los contrastes andan juntos y nadie puede esconder su vista de la miseria…
Esta acuarela cuenta un momento personal que pasó y no volverá…Infelizmente también muestra una realidad que todavía sigue existiendo.
…A propósito… mi maestra se llama Marcela Baubeau y la pueden ver a través de su enlace, espero que lo disfruten
Hasta pronto!Olivia Castro Cranwell
Te invito a visitar su web
http://oliviacastrocranwell.wordpress.com/
jueves 16 de octubre de 2008
Punto de vista del ciego
A partir de testimonios directos, retomando una prolongada discusión filosófica y relevando casos de personas que recuperaron la vista, la autora muestra que “el ciego es capaz de reconstruir todo cuanto del espacio nos procura la visión”.
Final del formulario
Por CRISTINA OYARZABAL *
¿Cómo imaginan los ciegos? ¿Cómo sueñan? La experiencia con sujetos ciegos me permitió vislumbrar que el ciego no está privado de nada; que a un ciego que nunca vio le sea dada la vista es un deseo de quienes vemos, no de aquel que nació privado de la luz. Ante la pregunta sobre si estaría contento de tener ojos, Nicholas Saunderson, un célebre matemático ciego del siglo XVI, contestó: “Me gustaría igualmente tener brazos largos; me parece que mis manos me informarían mejor sobre lo que pasa en la luna que sus ojos o sus telescopios; además, los ojos dejan de ver antes que las manos de tocar. Sería mucho mejor, entonces, que perfeccionaran en mí el órgano que tengo, antes que concederme el que me falta” (narrado en 1749 por Denis Diderot, en su irónicamente titulada Carta sobre ciegos para uso de los que ven, ed. El cuenco de plata). Saunderson, profesor de óptica, jamás vio la luz. Sin embargo, la imaginó, y construyó una imagen del universo. Esto emocionó inmensamente al joven Diderot, quien, habiendo conocido personalmente al ciego ilustre, afirmó que los ciegos pueden construir un mundo suficiente y no sienten sensación de insuficiencia alguna. Para Diderot, “el interés de los filósofos por la mentalidad de los ciegos no es humanitario sino abstracto y central en toda teoría del conocimiento: el pasaje de la sensación al juicio”.
La ceguera, como privación de la luz, aparece ominosa al mundo de los videntes. Como significante, metaforiza las innumerables formas de la estupidez: la pretensión, el alarde, la vanidad. Tanto para las lenguas antiguas como para las modernas es metáfora de debilidades físicas y psíquicas.
La etimología indoeuropea del término “ciego”, antes que la privación de la luz, evoca la sombra (Bril, J: “Ascendencia indoeuropea de los vocabularios relativos a sombra y ceguera”, en Entre dos mundos. Revista de traducción sobre discapacidad visual, Nº 27, de la ONCE, Organización Nacional de los Ciegos de España, Madrid, 2005). Compromiso entre la luz y la oscuridad, la sombra atestigua la ambivalencia semántica, se atreve a nombrar la ceguera bajo una cierta atenuación. En rigor, la monoftalmia, el hecho de ver con un solo ojo, dio origen a las raíces a partir de las cuales nuestras lenguas se atrevieron a nombrar la ceguera. Transacciones semánticas consistentes en movilizar raíces que en primer lugar significan, no la opacidad, sino la semitransparencia de la nube o del humo. Modos imaginarios de desdramatización lingüística en las lenguas indoeuropeas: ¿temor o pudor ante la calamidad del no ver? ¿Intento mágico de conjuro del drama íntimo que resulta para el sujeto? Estas lenguas siempre se guardaron muy bien de nombrar la ceguera con precisión. En la lengua griega, la raíz correspondiente a “humo” está ligada con “ciego”, y está igualmente en el origen de una red semántica sobre la oscuridad, tanto del espíritu como del cuerpo: “polvo”, “suciedad”, “mancha”, “noche”, “negro”, “espanto”.
Sin embargo, la oscuridad, al menos como nosotros la imaginamos, no parece estar presente en el mundo de los ciegos. Una joven, ciega congénita, imagina personas rubias o morenas por el sonido de sus voces. Otra, ciega desde niña, sostiene que llamar oscuro a su mundo no es apropiado: ella ve “nada”, dice. Es una sensación, dice, imposible de explicar.
Diderot y otros filósofos procurarán resolver la cuestión del pasaje de la sensación al juicio investigando las reacciones de un ciego que recuperase la vista. Ya a principios del siglo XVIII, William Molyneux había propuesto la siguiente cuestión: supongamos un ciego de nacimiento a quien se le haya enseñado a distinguir, por el tacto, un cubo y una esfera del mismo metal e igual volumen, de modo que al tocarlos pudiera decir cuál es el cubo y cuál la esfera. Si ese ciego llegase a ver ¿podría diferenciarlos sin tocarlos? John Locke sostuvo, como el mismo Molyneux, que el ciego no los distinguiría porque no sabe que aquello que afecta su tacto de tal o cual manera debe impresionar a sus ojos de tal o cual modo. En contraposición, Condillac intentó demostrar que, si el ciego de nacimiento logra ver, discernirá cuerpos y figuras; si su juicio vacila se deberá a razones metafísicas.
Planteo a una joven ciega de nacimiento la hipótesis de Molyneux. Me sorprende su categórica respuesta: “¡No!”. Ella sería incapaz de distinguir un cubo y una esfera por la vista. “¿Por qué?”, le pregunto. “Porque no sé qué es ver.”
Según Diderot, ambas posiciones tienen parte de razón: hace falta tiempo para que el ojo se vuelva experto.
Hay distintos ejemplos con respecto a la construcción del espacio en ciegos congénitos. Históricamente célebre es un caso del cirujano William Cheselden, en el siglo XVIII: el paciente, luego de ser operado de cataratas, no distinguió por mucho tiempo tamaños, distancias, situaciones, ni siquiera figuras; anduvo, digamos, a ciegas durante dos meses. Todos los pacientes descritos en la literatura sobre el tema encontraron, tras la operación, dificultades para percibir el espacio y la distancia que se prolongaron meses o años. Oliver Sacks (Un antropólogo en Marte, ed. Anagrama) presenta varios testimonios. Tres pacientes, nacidos ciegos, fueron operados aproximadamente a los 50 años. Uno de ellos, al poco tiempo, fue llevado por su neurólogo al Museo de la Ciencia de Londres para que viera una magnífica colección. Ante una pieza exhibida en una vitrina de cristal, fue incapaz de decir de qué se trataba: le pidieron al guardia del museo que abriera la vitrina y se le permitió al paciente tocar la pieza; la recorrió ávidamente con los dedos, cerrando los ojos. Entonces retrocedió un poco, abrió los ojos y dijo: “Ahora que la he tocado, puedo verla”.
Otro paciente, citado por Sacks, relata que, cuando le quitaron los vendajes, oyó una voz: se volvió hacia la fuente del sonido y vio una “mancha”. Comprendió que debía de ser una cara. No habría sabido que era una cara de no haber oído previamente la voz y de no haber sabido que las voces procedían de las caras. Durante esas primeras semanas siguientes a la operación, no percibía la profundidad ni la distancia; las luces de las calles eran manchas luminosas pegadas a los cristales de las ventanas, y los pasillos del hospital, agujeros negros. Este paciente decía que, antes de la operación, tenía una idea completamente distinta del espacio; sabía que un objeto podía ocupar sólo un lugar identificable al tacto. Sabía también que si al andar había un obstáculo, como un escalón, se presentaba después de cierto período de tiempo, al cual él estaba acostumbrado: tras la operación, aun después de muchos meses, ya no pudo coordinar las sensaciones visuales con la velocidad de su paso. Le resultaba muy difícil coordinar su visión con el tiempo necesario para cubrir la distancia; si el paso era demasiado lento o demasiado rápido, tropezaba.
Otro paciente dijo que andar sin su bastón lo confundía, pues su apreciación del espacio y la distancia era incierta e inestable. A veces las superficies u objetos le parecían amenazantes, como si estuvieran encima de él, cuando de hecho se hallaban a bastante distancia; a veces lo confundía su propia sombra (toda la noción de sombras, de objetos bloqueando la luz, lo dejaba perplejo) y se detenía o daba un traspié o intentaba pasar por encima de la sombra. Las escaleras eran particularmente riesgosas, ya que sólo veía una confusa superficie plana de líneas paralelas y líneas que se entrecruzaban: no podía verlas como objetos sólidos que subían o bajaban en un espacio tridimensional.
Estos pacientes, al principio, habían sido incapaces de reconocer visualmente ninguna forma, ni siquiera algunas tan simples como el cuadrado o el círculo, que al tacto reconocían rápidamente. Tocar un cuadrado no se correspondía en absoluto con ver un cuadrado. Esa fue la respuesta a la pregunta de Molyneux.
El neurobiólogo Juan Cuatrecasas (El hombre, animal óptico, Eudeba) define al hombre como un animal geométrico; sostiene que la función visual, la proyección de las imágenes, es el soporte de nuestro pensamiento; nuestra mentalidad se basa en la óptica. Y advierte que esta función también está presente en los ciegos. Respecto del ciego de nacimiento, sostiene que sólo carece de referentes externos tales como la visión de los colores, que es al fin y al cabo un hecho secundario, un fenómeno de matización de las imágenes que no resulta indispensable para su percepción. Y para imaginar no resulta necesaria la experiencia retiniana, ya que la elaboración de las imágenes es función de la más alta esfera sensorial óptica, autónoma con respecto al órgano de la visión.
Algunos autores, por desconocimiento de las funciones ópticas corticales y subcorticales, al confundir la fisiología ocular periférica con la psicofisiología de los centros encefálicos relacionados con la visión, sostuvieron que los ciegos no pueden concebir el mundo en forma semejante a quienes ven, porque sólo tendrían acceso al concepto de un espacio táctil derivado de las imágenes focalizadas en las yemas de los dedos. Sin embargo, la supuesta suplencia táctil del ciego sólo es parcial. Las percepciones táctiles pronto se desprenden de sus caracteres específicos, tales como presión, temperatura y movimiento, al ser centralizadas e interpretadas por el sistema nervioso para suministrar las matrices de forma y espacio que los centros corticales transforman en sensaciones espaciales.
Existe una percepción de la espacialidad a la que concurren, además de la visión, diferentes sentidos, especialmente el tacto y el sentido kinestésico, pero los sentidos no determinan por sí mismos la percepción del espacio. Los datos obtenidos a través del tacto son interpretados rápidamente para situar el objeto palpado en proyección espacial, porque el ciego, tal como aclara Lacan (Seminario 11, “Los cuatro conceptos fundamentales del Psicoanálisis”, Paidós. Buenos Aires), opera con la “visión geometral”, es decir, la visión situada en un espacio que no es, en su esencia, lo visual: la luz parece darnos el hilo que nos une a cada punto del objeto, pero el hilo no necesita de la luz; sólo necesita estar tenso. Por eso, el ciego puede seguir las demostraciones geométricas. Puede palpar, por ejemplo, un objeto de una altura determinada; siguiendo el hilo, aprende a distinguir con la punta de los dedos, en una superficie, una determinada configuración que reproduce la demarcación de las imágenes, exactamente, como en óptica pura imaginamos las correspondencias entre puntos en el espacio. Ya Diderot sostenía que el ciego supone un rayo de luz como un hilo elástico y delgado, o como una serie de corpúsculos que golpean nuestros ojos a una velocidad increíble, y calcula en consecuencia. En la misma época en que René Descartes inauguró la función del sujeto, se desarrolló la óptica geométrica, que está al alcance de los ciegos, ya que es asunto de demarcación del espacio, no de la vista.
El ciego puede concebir que el espacio puede percibirse a distancia y simultáneamente. Le basta con aprehender una función temporal, que es la instantaneidad. El ciego es capaz de dar cuenta, de reconstruir, imaginar, todo cuanto del espacio nos procura la visión. Esto nos permite vislumbrar cómo el sujeto, no importa si es ciego, está atrapado, capturado en el campo de la visión.
Diderot narró su diálogo con una joven ciega:
“Señorita, imagine un cubo”.
“Bien.”
“Imagine un punto en el centro del cubo.”
“Ya está.”
“Trace líneas rectas desde ese punto a los ángulos; entonces, habrá dividido el cubo...”
“...En seis pirámides iguales –agregó por sí misma–, cada una de ellas con las mismas caras, la base del cubo y la mitad de su altura.”
“Es cierto, pero ¿cómo lo vio?”
“En mi cabeza, como usted.”
* Extractado de una serie de trabajos aparecidos en la revista Psyché Navegante (www.psyche-navegante.com)
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Por CRISTINA OYARZABAL *
¿Cómo imaginan los ciegos? ¿Cómo sueñan? La experiencia con sujetos ciegos me permitió vislumbrar que el ciego no está privado de nada; que a un ciego que nunca vio le sea dada la vista es un deseo de quienes vemos, no de aquel que nació privado de la luz. Ante la pregunta sobre si estaría contento de tener ojos, Nicholas Saunderson, un célebre matemático ciego del siglo XVI, contestó: “Me gustaría igualmente tener brazos largos; me parece que mis manos me informarían mejor sobre lo que pasa en la luna que sus ojos o sus telescopios; además, los ojos dejan de ver antes que las manos de tocar. Sería mucho mejor, entonces, que perfeccionaran en mí el órgano que tengo, antes que concederme el que me falta” (narrado en 1749 por Denis Diderot, en su irónicamente titulada Carta sobre ciegos para uso de los que ven, ed. El cuenco de plata). Saunderson, profesor de óptica, jamás vio la luz. Sin embargo, la imaginó, y construyó una imagen del universo. Esto emocionó inmensamente al joven Diderot, quien, habiendo conocido personalmente al ciego ilustre, afirmó que los ciegos pueden construir un mundo suficiente y no sienten sensación de insuficiencia alguna. Para Diderot, “el interés de los filósofos por la mentalidad de los ciegos no es humanitario sino abstracto y central en toda teoría del conocimiento: el pasaje de la sensación al juicio”.
La ceguera, como privación de la luz, aparece ominosa al mundo de los videntes. Como significante, metaforiza las innumerables formas de la estupidez: la pretensión, el alarde, la vanidad. Tanto para las lenguas antiguas como para las modernas es metáfora de debilidades físicas y psíquicas.
La etimología indoeuropea del término “ciego”, antes que la privación de la luz, evoca la sombra (Bril, J: “Ascendencia indoeuropea de los vocabularios relativos a sombra y ceguera”, en Entre dos mundos. Revista de traducción sobre discapacidad visual, Nº 27, de la ONCE, Organización Nacional de los Ciegos de España, Madrid, 2005). Compromiso entre la luz y la oscuridad, la sombra atestigua la ambivalencia semántica, se atreve a nombrar la ceguera bajo una cierta atenuación. En rigor, la monoftalmia, el hecho de ver con un solo ojo, dio origen a las raíces a partir de las cuales nuestras lenguas se atrevieron a nombrar la ceguera. Transacciones semánticas consistentes en movilizar raíces que en primer lugar significan, no la opacidad, sino la semitransparencia de la nube o del humo. Modos imaginarios de desdramatización lingüística en las lenguas indoeuropeas: ¿temor o pudor ante la calamidad del no ver? ¿Intento mágico de conjuro del drama íntimo que resulta para el sujeto? Estas lenguas siempre se guardaron muy bien de nombrar la ceguera con precisión. En la lengua griega, la raíz correspondiente a “humo” está ligada con “ciego”, y está igualmente en el origen de una red semántica sobre la oscuridad, tanto del espíritu como del cuerpo: “polvo”, “suciedad”, “mancha”, “noche”, “negro”, “espanto”.
Sin embargo, la oscuridad, al menos como nosotros la imaginamos, no parece estar presente en el mundo de los ciegos. Una joven, ciega congénita, imagina personas rubias o morenas por el sonido de sus voces. Otra, ciega desde niña, sostiene que llamar oscuro a su mundo no es apropiado: ella ve “nada”, dice. Es una sensación, dice, imposible de explicar.
Diderot y otros filósofos procurarán resolver la cuestión del pasaje de la sensación al juicio investigando las reacciones de un ciego que recuperase la vista. Ya a principios del siglo XVIII, William Molyneux había propuesto la siguiente cuestión: supongamos un ciego de nacimiento a quien se le haya enseñado a distinguir, por el tacto, un cubo y una esfera del mismo metal e igual volumen, de modo que al tocarlos pudiera decir cuál es el cubo y cuál la esfera. Si ese ciego llegase a ver ¿podría diferenciarlos sin tocarlos? John Locke sostuvo, como el mismo Molyneux, que el ciego no los distinguiría porque no sabe que aquello que afecta su tacto de tal o cual manera debe impresionar a sus ojos de tal o cual modo. En contraposición, Condillac intentó demostrar que, si el ciego de nacimiento logra ver, discernirá cuerpos y figuras; si su juicio vacila se deberá a razones metafísicas.
Planteo a una joven ciega de nacimiento la hipótesis de Molyneux. Me sorprende su categórica respuesta: “¡No!”. Ella sería incapaz de distinguir un cubo y una esfera por la vista. “¿Por qué?”, le pregunto. “Porque no sé qué es ver.”
Según Diderot, ambas posiciones tienen parte de razón: hace falta tiempo para que el ojo se vuelva experto.
Hay distintos ejemplos con respecto a la construcción del espacio en ciegos congénitos. Históricamente célebre es un caso del cirujano William Cheselden, en el siglo XVIII: el paciente, luego de ser operado de cataratas, no distinguió por mucho tiempo tamaños, distancias, situaciones, ni siquiera figuras; anduvo, digamos, a ciegas durante dos meses. Todos los pacientes descritos en la literatura sobre el tema encontraron, tras la operación, dificultades para percibir el espacio y la distancia que se prolongaron meses o años. Oliver Sacks (Un antropólogo en Marte, ed. Anagrama) presenta varios testimonios. Tres pacientes, nacidos ciegos, fueron operados aproximadamente a los 50 años. Uno de ellos, al poco tiempo, fue llevado por su neurólogo al Museo de la Ciencia de Londres para que viera una magnífica colección. Ante una pieza exhibida en una vitrina de cristal, fue incapaz de decir de qué se trataba: le pidieron al guardia del museo que abriera la vitrina y se le permitió al paciente tocar la pieza; la recorrió ávidamente con los dedos, cerrando los ojos. Entonces retrocedió un poco, abrió los ojos y dijo: “Ahora que la he tocado, puedo verla”.
Otro paciente, citado por Sacks, relata que, cuando le quitaron los vendajes, oyó una voz: se volvió hacia la fuente del sonido y vio una “mancha”. Comprendió que debía de ser una cara. No habría sabido que era una cara de no haber oído previamente la voz y de no haber sabido que las voces procedían de las caras. Durante esas primeras semanas siguientes a la operación, no percibía la profundidad ni la distancia; las luces de las calles eran manchas luminosas pegadas a los cristales de las ventanas, y los pasillos del hospital, agujeros negros. Este paciente decía que, antes de la operación, tenía una idea completamente distinta del espacio; sabía que un objeto podía ocupar sólo un lugar identificable al tacto. Sabía también que si al andar había un obstáculo, como un escalón, se presentaba después de cierto período de tiempo, al cual él estaba acostumbrado: tras la operación, aun después de muchos meses, ya no pudo coordinar las sensaciones visuales con la velocidad de su paso. Le resultaba muy difícil coordinar su visión con el tiempo necesario para cubrir la distancia; si el paso era demasiado lento o demasiado rápido, tropezaba.
Otro paciente dijo que andar sin su bastón lo confundía, pues su apreciación del espacio y la distancia era incierta e inestable. A veces las superficies u objetos le parecían amenazantes, como si estuvieran encima de él, cuando de hecho se hallaban a bastante distancia; a veces lo confundía su propia sombra (toda la noción de sombras, de objetos bloqueando la luz, lo dejaba perplejo) y se detenía o daba un traspié o intentaba pasar por encima de la sombra. Las escaleras eran particularmente riesgosas, ya que sólo veía una confusa superficie plana de líneas paralelas y líneas que se entrecruzaban: no podía verlas como objetos sólidos que subían o bajaban en un espacio tridimensional.
Estos pacientes, al principio, habían sido incapaces de reconocer visualmente ninguna forma, ni siquiera algunas tan simples como el cuadrado o el círculo, que al tacto reconocían rápidamente. Tocar un cuadrado no se correspondía en absoluto con ver un cuadrado. Esa fue la respuesta a la pregunta de Molyneux.
El neurobiólogo Juan Cuatrecasas (El hombre, animal óptico, Eudeba) define al hombre como un animal geométrico; sostiene que la función visual, la proyección de las imágenes, es el soporte de nuestro pensamiento; nuestra mentalidad se basa en la óptica. Y advierte que esta función también está presente en los ciegos. Respecto del ciego de nacimiento, sostiene que sólo carece de referentes externos tales como la visión de los colores, que es al fin y al cabo un hecho secundario, un fenómeno de matización de las imágenes que no resulta indispensable para su percepción. Y para imaginar no resulta necesaria la experiencia retiniana, ya que la elaboración de las imágenes es función de la más alta esfera sensorial óptica, autónoma con respecto al órgano de la visión.
Algunos autores, por desconocimiento de las funciones ópticas corticales y subcorticales, al confundir la fisiología ocular periférica con la psicofisiología de los centros encefálicos relacionados con la visión, sostuvieron que los ciegos no pueden concebir el mundo en forma semejante a quienes ven, porque sólo tendrían acceso al concepto de un espacio táctil derivado de las imágenes focalizadas en las yemas de los dedos. Sin embargo, la supuesta suplencia táctil del ciego sólo es parcial. Las percepciones táctiles pronto se desprenden de sus caracteres específicos, tales como presión, temperatura y movimiento, al ser centralizadas e interpretadas por el sistema nervioso para suministrar las matrices de forma y espacio que los centros corticales transforman en sensaciones espaciales.
Existe una percepción de la espacialidad a la que concurren, además de la visión, diferentes sentidos, especialmente el tacto y el sentido kinestésico, pero los sentidos no determinan por sí mismos la percepción del espacio. Los datos obtenidos a través del tacto son interpretados rápidamente para situar el objeto palpado en proyección espacial, porque el ciego, tal como aclara Lacan (Seminario 11, “Los cuatro conceptos fundamentales del Psicoanálisis”, Paidós. Buenos Aires), opera con la “visión geometral”, es decir, la visión situada en un espacio que no es, en su esencia, lo visual: la luz parece darnos el hilo que nos une a cada punto del objeto, pero el hilo no necesita de la luz; sólo necesita estar tenso. Por eso, el ciego puede seguir las demostraciones geométricas. Puede palpar, por ejemplo, un objeto de una altura determinada; siguiendo el hilo, aprende a distinguir con la punta de los dedos, en una superficie, una determinada configuración que reproduce la demarcación de las imágenes, exactamente, como en óptica pura imaginamos las correspondencias entre puntos en el espacio. Ya Diderot sostenía que el ciego supone un rayo de luz como un hilo elástico y delgado, o como una serie de corpúsculos que golpean nuestros ojos a una velocidad increíble, y calcula en consecuencia. En la misma época en que René Descartes inauguró la función del sujeto, se desarrolló la óptica geométrica, que está al alcance de los ciegos, ya que es asunto de demarcación del espacio, no de la vista.
El ciego puede concebir que el espacio puede percibirse a distancia y simultáneamente. Le basta con aprehender una función temporal, que es la instantaneidad. El ciego es capaz de dar cuenta, de reconstruir, imaginar, todo cuanto del espacio nos procura la visión. Esto nos permite vislumbrar cómo el sujeto, no importa si es ciego, está atrapado, capturado en el campo de la visión.
Diderot narró su diálogo con una joven ciega:
“Señorita, imagine un cubo”.
“Bien.”
“Imagine un punto en el centro del cubo.”
“Ya está.”
“Trace líneas rectas desde ese punto a los ángulos; entonces, habrá dividido el cubo...”
“...En seis pirámides iguales –agregó por sí misma–, cada una de ellas con las mismas caras, la base del cubo y la mitad de su altura.”
“Es cierto, pero ¿cómo lo vio?”
“En mi cabeza, como usted.”
* Extractado de una serie de trabajos aparecidos en la revista Psyché Navegante (www.psyche-navegante.com)
domingo 12 de octubre de 2008
Arte y "locura"...
El artista y el loco tienen grandes similitudes: el loco está fuera de la realidad fuera d e lo común; el loco no se inhibe delante de nadie y e artista es alguien que se ha vuelto auténtico; el loco parece no tener sentimientos y el artista ha aprendido a controlar y a direccionar sus sentimientos; el loco está contento sin una razón y el artista sabe como estar contento haciendo cosas sin razón aparente.
La razón para esto es que el loco vive fuera del tiempo. El artista vive el mañana. Las personas comunes viven el pasado. Esto se prueba al mirar las obras que fueron concebidas siglos atrás y que todavía actualmente son muy apreciadas.
Si realmente el artista es un loco, o posee un estado de salud que la mayoría no percibe, no importa. Lo importante es que él vive y esto es más que meramente existir.
Vilmar Braga
La razón para esto es que el loco vive fuera del tiempo. El artista vive el mañana. Las personas comunes viven el pasado. Esto se prueba al mirar las obras que fueron concebidas siglos atrás y que todavía actualmente son muy apreciadas.
Si realmente el artista es un loco, o posee un estado de salud que la mayoría no percibe, no importa. Lo importante es que él vive y esto es más que meramente existir.
Vilmar Braga
PINTOR EN TINIEBLAS
Una mañana estaba en la cama leyendo, cuando de pronto sentí dentro de mi cabeza un brillante destello. El libro que leía desapareció de mi vista. El cuarto mismo desapareció, y me encontré encerrado en una cámara oscura. Debía haber esto preparado para ello, ya que el glaucoma me había robado la visión de un ojo y los médicos me habían advertido que el otro estaba afectado; mas yo pensaba que esa amenaza jamás me alcanzaría.
Con 62 años de edad, sin parientes cercanos, sin hogar establecido, me encontré solo, sumido en tinieblas.
Como había servido un tiempo en la milicia, tenía derecho a una pensión por incapacidad total, pero fuera de esto no tenía otros recursos ni sitio alguno donde ir.
Pensé que podría dedicarme a escribir y puse un anuncio en el que explicaba que era ciego y que necesitaba una persona que tome apuntes por mí. Recibí 40 llamadas y escogí a la muchacha que tenía la voz más dulce. Estoy seguro de que al principio ella solo se compadecía de mí, mas la compasión se tornó en amor, y al cabo de un tiempo nos casamos.
Fracasé en mis esfuerzos de escritor y a veces, cuando mi mujer trataba de confortarme, me irritaba y acababa por reñirla violentamente.
Cierto día, después de una de estas escenas, me dijo con toda paciencia: "Voy a salir un rato. Aquí tienes lápiz y papel, por si quieres hacer algunas notas".
Me quedé pensando qué podría hacer a manera de reparación por mi mal proceder. Con el lápiz hice una señal en el cuaderno de apuntes y sobre ella pasé suavemente los dedos. Las yemas se me habían hecho más sensitivas y sentía nítidamente la huella del lápiz. Qué lástima, pensé, no haber aprendido nunca a dibujar, pues por lo menos habría podido hacer un dibujo para mi mujer. Vamos, me dije, nada se pierde con ensayar. Cuando mi esposa volvió y le mostré mi obra, se quedó un rato en silencio, y al fin preguntó:
¿Quién ha hecho esto? -y cuando se lo dije, observó. Cualquiera que lo vea dirá que no eres ciego.
Desde ese momento día tras día trabajaba en mis dibujos, cometí muchísimos errores, pero eso me estimulaba, porque el hombre solo tienen conciencia de vivir cuando vence las dificultades. A menudo, cuando trataba de escoger un tema, se me hacía difícil evocar con nitidez una imagen. Me preguntaba entonces por qué había sido yo tan ciego antes de quedarme ciego, y me daban ganas de gritarles a los que tienen la dicha de ver: ¿Aprovechen los ojos! ¡Capten la belleza que los rodea, guárdenla en su recuerdo, nunca la pasen por alto!
Estos últimos años han pasado rápidamente. He hecho en total más de 900 dibujos, de los cuales algunos he vendido y muchos otros he regalado. Mi esposa y yo tenemos un hijo de dos años de edad. Me siento vivo de nuevo porque siento que mi vida ha tenido un propósito, el de demostrar que nuestras limitaciones nunca son tan definitivas como en un principio nos parecen. Podrán descorazonar a un individuo y aun hacerle perder el deseo de seguir viviendo; pero si logra mantenerse a flote, algo en su interior le alentará a buscar una nueva vida y a encontrarla.
C. W. E. Jordán.
Con 62 años de edad, sin parientes cercanos, sin hogar establecido, me encontré solo, sumido en tinieblas.
Como había servido un tiempo en la milicia, tenía derecho a una pensión por incapacidad total, pero fuera de esto no tenía otros recursos ni sitio alguno donde ir.
Pensé que podría dedicarme a escribir y puse un anuncio en el que explicaba que era ciego y que necesitaba una persona que tome apuntes por mí. Recibí 40 llamadas y escogí a la muchacha que tenía la voz más dulce. Estoy seguro de que al principio ella solo se compadecía de mí, mas la compasión se tornó en amor, y al cabo de un tiempo nos casamos.
Fracasé en mis esfuerzos de escritor y a veces, cuando mi mujer trataba de confortarme, me irritaba y acababa por reñirla violentamente.
Cierto día, después de una de estas escenas, me dijo con toda paciencia: "Voy a salir un rato. Aquí tienes lápiz y papel, por si quieres hacer algunas notas".
Me quedé pensando qué podría hacer a manera de reparación por mi mal proceder. Con el lápiz hice una señal en el cuaderno de apuntes y sobre ella pasé suavemente los dedos. Las yemas se me habían hecho más sensitivas y sentía nítidamente la huella del lápiz. Qué lástima, pensé, no haber aprendido nunca a dibujar, pues por lo menos habría podido hacer un dibujo para mi mujer. Vamos, me dije, nada se pierde con ensayar. Cuando mi esposa volvió y le mostré mi obra, se quedó un rato en silencio, y al fin preguntó:
¿Quién ha hecho esto? -y cuando se lo dije, observó. Cualquiera que lo vea dirá que no eres ciego.
Desde ese momento día tras día trabajaba en mis dibujos, cometí muchísimos errores, pero eso me estimulaba, porque el hombre solo tienen conciencia de vivir cuando vence las dificultades. A menudo, cuando trataba de escoger un tema, se me hacía difícil evocar con nitidez una imagen. Me preguntaba entonces por qué había sido yo tan ciego antes de quedarme ciego, y me daban ganas de gritarles a los que tienen la dicha de ver: ¿Aprovechen los ojos! ¡Capten la belleza que los rodea, guárdenla en su recuerdo, nunca la pasen por alto!
Estos últimos años han pasado rápidamente. He hecho en total más de 900 dibujos, de los cuales algunos he vendido y muchos otros he regalado. Mi esposa y yo tenemos un hijo de dos años de edad. Me siento vivo de nuevo porque siento que mi vida ha tenido un propósito, el de demostrar que nuestras limitaciones nunca son tan definitivas como en un principio nos parecen. Podrán descorazonar a un individuo y aun hacerle perder el deseo de seguir viviendo; pero si logra mantenerse a flote, algo en su interior le alentará a buscar una nueva vida y a encontrarla.
C. W. E. Jordán.
viernes 30 de mayo de 2008
Arte - Terapia
-Para comenzar en el arte-terapia consulte un especialista. En general se trata de un psicoterapeuta especializado.
-Durante una sesión, el terapeuta guia al paciente para estimular la interpretación de la obra ( y no su realización).
-Comience por la primera "imagen" que le venga al espiritu.
-Deje "hablar" su intuición y su espontaneidad.
-Al contrario hay que "callar" la voz critica y de inhibición que esta en Ud.
-Trabaje sin interesarse en el resultado final.
-Si no se "siente" bien con la pintura, ensaye la arcilla, el recorte y pegue ou otra expresion artistica (ver mas adelante la musicoterapia).
-Examine cuidadosamente su obra una vez acabada. Los colores, las formas, los simbolos representados tienen para Ud. una significación?. Que sentimientos despiertan en Ud?
-Escriba en seguida algunas palabras sobre la significación de esos colores, simbolos o formas.
-Hay que saber que la significación de sus obras no resuelven sus problemas psicológicos pero permiten de entenderlos, aceptarlos y finalmente sobrellevarlos.
Fuente: NATURAMEDIC.COM
-Durante una sesión, el terapeuta guia al paciente para estimular la interpretación de la obra ( y no su realización).
-Comience por la primera "imagen" que le venga al espiritu.
-Deje "hablar" su intuición y su espontaneidad.
-Al contrario hay que "callar" la voz critica y de inhibición que esta en Ud.
-Trabaje sin interesarse en el resultado final.
-Si no se "siente" bien con la pintura, ensaye la arcilla, el recorte y pegue ou otra expresion artistica (ver mas adelante la musicoterapia).
-Examine cuidadosamente su obra una vez acabada. Los colores, las formas, los simbolos representados tienen para Ud. una significación?. Que sentimientos despiertan en Ud?
-Escriba en seguida algunas palabras sobre la significación de esos colores, simbolos o formas.
-Hay que saber que la significación de sus obras no resuelven sus problemas psicológicos pero permiten de entenderlos, aceptarlos y finalmente sobrellevarlos.
Fuente: NATURAMEDIC.COM
domingo 25 de mayo de 2008
Un rincón de mí mismo todavía desconocido
Un rincón de mí mismo todavía desconocido
"Ce que je désire, c'est un coin de moi-même encore inconnu." Paul Gauguin
(Lo que deseo, es un rincón de mí mismo todavía desconocido.)
Despertar nuestra creatividad, es darse los medios de poner palabras sobre nuestro sufrimiento, de desbloquear nuestras resistencias, de expresar nuestros miedos, nuestras experiencias negativas.
Despertar nuestra creatividad, es darnos fuerzas, es ser atento a sí mismo(a), es tomar conciencia de nuestras sensaciones físicas, de nuestros deseos, de nuestras emociones, de nuestras preocupaciones.
Es re-construirse, centrarse de nuevo. Es armonizarse. Es confirmarse.
Valérie CONSTANTIN
"Ce que je désire, c'est un coin de moi-même encore inconnu." Paul Gauguin
(Lo que deseo, es un rincón de mí mismo todavía desconocido.)
Despertar nuestra creatividad, es darse los medios de poner palabras sobre nuestro sufrimiento, de desbloquear nuestras resistencias, de expresar nuestros miedos, nuestras experiencias negativas.
Despertar nuestra creatividad, es darnos fuerzas, es ser atento a sí mismo(a), es tomar conciencia de nuestras sensaciones físicas, de nuestros deseos, de nuestras emociones, de nuestras preocupaciones.
Es re-construirse, centrarse de nuevo. Es armonizarse. Es confirmarse.
Valérie CONSTANTIN
Paul Gaugin: D'ou venons-nous? Que sommes-nous? Oú allons-nous? (¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?).
martes 26 de febrero de 2008
Un rayo de luz para las tinieblas de un niño
Un día por la mañana vino a visitarme el señor Tanaka, pintor de cuadros al óleo, portador de una carta de presentación que le había dado un amigo mío. Traía de la mano a un nene lo más mono, pero ciego. El señor Tanaka dijo: “Este es mi hijito Teiichi, de cinco años. En su primera infancia se me enfermó de la vista, y como era cuestión de vida o muerte se le operó de ambos ojos y hubo necesidad de extraérselos. Mi esposa y yo queremos para nuestro nene una luz que alumbre sus tinieblas, que brille durante todo el curso de su vida. Hemos pensado en la música y vengo a rogarle queme lo acepte entre sus discípulos de violín”. Contemplando aquella inocente criatura que por el resto de su vida tendría que caminar a tientas y orientarse por el tacto, no pude evitar que los ojos se me llenasen de lágrimas. No podía asentir de inmediato al ruego de su padre, pero tendría que inventarme la manera de adiestrar a un niño totalmente ciego. Por eso le contesté: “Por favor, espere una semana. Si en ese término llego a convencerme de que podría enseñarle y a sentirme seguro de ello, ya me encargaré de que el experimento resulte un éxito”.
Aquella noche, en la quietud de mi salón de estudio, me di a cavilar sobre tan peliagudo problema. ¿Como se le enseña a un niño ciego? No tenía la menor idea. Al cabo de un rato se me ocurrió de pronto que el primer paso sería igualar mi situación a la de un ciego. Me levanté de la silla y apague la luz. En tiniebla absoluta volví asentarme. “Bueno, ahora estamos iguales”, razoné. “tengo que saber lo que es vivir en tiniebla absoluta para así entender ese mundo sin luz del no vidente”. La habitación me parecía estar vacía. No veía mi violín ni mi arco, aunque sabía que allí estaba. Las cuatro cuerdas…las posiciones…levantar el arco un poquito y dejarlo caer otro tanto para pasarlo de una a otra cuerda…la dificultad de tocar el violín… ¿Cómo hacer que el niño comprendiese todo eso? En aquella lobreguez suma caminé a tientas hasta dar con el instrumento y sacarlo con el arco del estuche, y empecé a tocar. Al parecer, para mí es lo mismo hacerlo con luz o sin ella, ya que suelo tocar con los ojos cerrados. Tenía perfecta noción de donde estaba la punta del arco, dónde las cuerdas, el puente, las posiciones. Lo “veía” todo. A veces cierro los ojos mientras toco sin pensar en que lo estoy haciendo. Pero fue entonces cuando me di cuenta de que a veces no nos valemos de la vista, sino que por medio del kan disponemos de sensibilidad necesaria para tocar.
A fuerza de practicar adquirimos vigor físico mayor de lo corriente: Es que con esa actividad vital se engendra en nuestro cuerpo y mente una energía poderosa, que es la cualidad del kan, por medio de la cual podemos vencer todas las facultades. He ahí por qué en aquel mundo a obscuras que era mi habitación, donde no veía nada a la derecha o a la izquierda, podía de todos modos tocar el violín. Y entonces…
Se me abrieron los ojos del espíritu….
“Pues, ¿como no? Haré que el chiquitín de Teiichi vea el violín, el arco, las cuerdas. No tendrá necesidad de los ojos del cuerpo si consigo enseñarle a hacer uso de los del alma”, dije para mis adentros. Fue así como decidí cuál sería el principio fundamental de mi técnica de enseñanza. Después me inventé el método. A la semana justa se me presentaron el señor Tanaka y su esposa con el nene. Les dije: “Ahora, a cooperar y unir esfuerzos para que se le abran a Teiichi los ojos del espíritu”. Agregué que tenía que prepararse para un largo periodo de agotador esfuerzo y hacerse de la devoción indispensable para llevar esa resolución a feliz término. Y así empezaron las clases. Aun teniendo en cuenta que tenían que hacerlo por la felicidad de su hijito, los esposos Tanaka cooperaron admirablemente. No habrá palabras con qué describir las angustias y penalidades que sobrellevaron, pero el caso es que su sueño dorado se convirtió en realidad: pusieron un rayo de luz en el corazón de su hijito.
kan; lo que los japoneses llaman intuición o sexto sentido
Por Shinichi Suzuki en “Hacia la música por amor"
Vanessa Mae - Nessum Dorma
lunes 25 de febrero de 2008
...un desafío, quiza, a nuestra propia existencia...
“Quien mejor que Beethoven
para entender que una limitación física
no puede doblegar al espíritu del hombre cuando éste es fuerte,
para entender que a pesar de la amargura que produce
se puede seguir sintiendo amor por la humanidad,
para saber que el amor por el arte
puede llevar a un hombre a seguir escribiendo melodías, acordes y ritmos
que su oído jamás ha de disfrutar...
música que es la expresión de aquella fuerza interior
que desafía la adversidad no con odio y rencor,
sino con amor para crear y compartir...
ese es Beethoven.”
Jesús Rivas
sábado 23 de febrero de 2008
Carta a Chang
Pescando en el río dormido de pensamientos.
Sombras de pandas caminan sobre las aguas.
Quiero saltar por la borda, bajar al fondo y ver las carpas y las sombras desde abajo.
No soy yo quien da el salto.
Hay una presencia,
Un geiser en pasiva ebullición
La piel enrojece,
Los ojos se abultan.
La luna atrae la masa.
Las linternas pasan navegando en su último viaje.
Llevan los espíritus en sus ínfimas bujías.
Querida Chang
Mis piernas y mis brazos no me responden.
Ya no hay mente.
Desde el fondo te saludo.
Estoy con las sombras y se platea el horizonte.
Me acarician las algas.
Un espejismo ha pasado.
Querida Chang
Que esta carta ilumine tu navegar.
Autor: Federico Germán Puchel
Lanterna dos afogados
Interpretado por Cassia Eller
Entre el deseo y el destino
Que tus yemas
vengan a mi encuentro
antes...
de que el fuego
me consuma
Por Néstor de Luca
Vida Entera
Letra y Música: Ricardo Gallardo
miércoles 20 de febrero de 2008
La Medianoche y el Cactus
el dolor, el amor, el deseo o frustracion
el reproche, la amargura, la certeza, el amor...
la ternura, el recuerdo...la dulzura, el amor
besos no dados, abrazos cerrados
el amor...el dolor
besos no dados, abrazos cerrados
el amor...
amor
nada más que amor...
Acrilico sobre tela 100x 70
Por Néstor De Luca
Soledad
Letra y Música de Ricardo Gallardo
Perro violeta con moquillo
“Tuve la suerte de criarme en medio de la naturaleza. Allí los rayos me enseñaron lo que era la muerte repentina y la evanescencia de la vida. Las crías de los ratones me enseñaron que la muerte se mitigaba con la nueva vida. La madre loba que mata a uno de sus cachorros mortalmente herido me enseño la dura compasión de permitir que la muerte llegue a los moribundos. Peludas orugas que caían de las ramas y volvían a subir con esfuerzo
me enseñaron la virtud de la perseverancia....”
"Dejar morir, dejar pasar, dejar ser"
Clarissa Pinkola Estés
En "Mujeres que corren con Lobos"
"Perro violeta con moquillo"
acrílico sobre tela y papel 100x70cm
Por Néstor De Luca
martes 19 de febrero de 2008
Una Hermosa Receta de Amor y Fuga...
Acrílico sobre tela y papel 100x100cm
Néstor de Luca
Besos
Música y Letra: Ricardo Gallardo
Cautiva en la Jaula Imposible
Te proteges de los ojos de alguien que no te mira,
O si te mira no lo ves,
Y si lo ves no le entiendes…
O si te mira no lo ves,
Y si lo ves no le entiendes…
Lagrimas cautivas en la celda de un amor enmudecido…
Tanto dolor gritando en mí
Imposible curar tanta herida... (me decía)
Las piedras no gritan pero están tan presentes en su silencio
Y el aire me posee en lugar de tus besos
Aprender a vivir con lo que a uno le falta…
eso …da PAZ
Pero Yo… no lo sabía
Y cuando lo supe…
No… pude…
Ahora callo
Y sólo dejo que SEA
Me entrego al instante
al calor del sol
al brillo de la luna
a lo gris de un cielo vestido con nubes
Que el tiempo
no sea mi derrota
Que la sal de mis lágrimas dejaron ya su amargura
Hay cosas que sólo se dicen con silencio,
y yo
Callándome
...
te las digo
Textos de la Obra Teatral
“Destellos de Luz en la Jaula Imposible”
Fotografía: Luz Munayco y Moi
Sospiro
Música de Bardo State
TV caliente
Acrílico sobre tela y papel
100x100cm
Néstor De Luca
"Lo verdaderamente extraño, no es que un ciego pinte,
sino que, frente al placer,
una persona que puede ver cierre los ojos para sentir mejor."
Néstor De Luca
Contracorriente
Letra y Música: Ricardo Gallardo
lunes 18 de febrero de 2008
buscando el camino a casa
Por Néstor de Luca
(acrílico sobre tela y papel 100x70cm)
Simplemente... Andar
Letra y Música: Ricardo Gallardo
años luz
I
Al igual que esa lágrima olvidada
que espera la caída en el equilibrio de tu rostro,
las estrellas se escurren por el viento de la noche,
para recordarte que los mejores momentos,
se comparten más allá de los rincones desolados del planeta
Para jurarte hasta el cansancio,
que ese interminable parpadeo de fuegos,
son más que luces, tardando luces en llegar a tus ojos
Que es más fácil perforar el terciopelo de la noche,
que escapar al peligroso encanto
que produce y demora
el dorado remolino de tu sexo
Ir saltando de planeta en planeta,
que descifrar el caprichoso código,
que dibujan las ondas de tu pelo
II
La luz de esa estrella que tanto te fascina,
partió de su cuerpo hace miles de años ya
La verás recién ahora, te hará meditar, velará tu sueño por la noche,
pero su luz partió a tu encuentro mucho tiempo atrás
antes de saber
que estarías aguardando despierta
Se ha desplazado en el vacío a miles de kilómetros por segundo,
pero su cuerpo no es otra cosa ahora,
que una masa de frío polvo apagado.
III
Mi amor por ti no está tan lejos
pero también partió a tu encuentro mucho antes de conocerte
Antes siquiera de que vos y yo hubiéramos nacido
Y aunque las estrellas cuelguen toda una vida
convencidas de estar unas muy cerca de las otras
yo viajo hacia vos,
desde ese mismo instante antes del instante
La velocidad de la luz me enceguece
Me lastima con sus aces, a medida en que tu aliento se aproxima
Confío en que pronto abrirás las ventanas
que ahora sí me recibirán tus ojos,
mucho antes de lo que demoró aquella estrella,
en comprender la trampa de la noche
Antes de que el viento helado de las sombras me congele
antes de que mi cuerpo también sea,
otra masa apagada de polvo.
Autor: Néstor De Luca
La Entrega
Música y Letra: Ricardo Gallardo
Al igual que esa lágrima olvidada
que espera la caída en el equilibrio de tu rostro,
las estrellas se escurren por el viento de la noche,
para recordarte que los mejores momentos,
se comparten más allá de los rincones desolados del planeta
Para jurarte hasta el cansancio,
que ese interminable parpadeo de fuegos,
son más que luces, tardando luces en llegar a tus ojos
Que es más fácil perforar el terciopelo de la noche,
que escapar al peligroso encanto
que produce y demora
el dorado remolino de tu sexo
Ir saltando de planeta en planeta,
que descifrar el caprichoso código,
que dibujan las ondas de tu pelo
II
La luz de esa estrella que tanto te fascina,
partió de su cuerpo hace miles de años ya
La verás recién ahora, te hará meditar, velará tu sueño por la noche,
pero su luz partió a tu encuentro mucho tiempo atrás
antes de saber
que estarías aguardando despierta
Se ha desplazado en el vacío a miles de kilómetros por segundo,
pero su cuerpo no es otra cosa ahora,
que una masa de frío polvo apagado.
III
Mi amor por ti no está tan lejos
pero también partió a tu encuentro mucho antes de conocerte
Antes siquiera de que vos y yo hubiéramos nacido
Y aunque las estrellas cuelguen toda una vida
convencidas de estar unas muy cerca de las otras
yo viajo hacia vos,
desde ese mismo instante antes del instante
La velocidad de la luz me enceguece
Me lastima con sus aces, a medida en que tu aliento se aproxima
Confío en que pronto abrirás las ventanas
que ahora sí me recibirán tus ojos,
mucho antes de lo que demoró aquella estrella,
en comprender la trampa de la noche
Antes de que el viento helado de las sombras me congele
antes de que mi cuerpo también sea,
otra masa apagada de polvo.
Autor: Néstor De Luca
La Entrega
Música y Letra: Ricardo Gallardo
el asedio
Y el relámpago llegó
Fue una noche
El trueno llegó después
Y la casa tembló
Lo abarcó todo, envolviendo cimientos, muebles, tazas y recuerdos
Los que permanecían despiertos, vieron que el lugar se iluminaba
Los que ya dormían, supusieron que el estruendo y la luz,
eran el primer acto de una pesadilla olvidada
Pero sin lugar a dudas, el perfume llegó antes que nada
Todos en la casa coincidieron
Un penetrante ahogo; una dulce asfixia
Resignados, lamentando no poder dejarnos
llevar
por esas caricias parientes de la muerte,
saltamos de nuestros lechos, corrimos hacia las ventanas
Y allí estaban. Invadiendo todo el jardín, las vimos
Impactantes. Con la arrogancia de un ejército bárbaro
rodeándolo todo con sus colores teñidos de furia
Apuntando con sus pétalos cargados de aromas
Provocándonos. Demostrando que habían llegado para arrasarnos
Ardiendo de formas, de éxtasis planeaban sitiar la casa
Y ese ejército de flores amarillas, morenas y rojas,
se extendía hasta el mismo borde de la noche
Y ese ejército de flores amarillas, morenas y rojas,
incendiando voluntades avanzaba
Nos tomaron por sorpresa
si por la tarde, yo mismo había estado jugando sobre esas matas
Traición hermosa, de colores y fragancias
Pero ya era tarde para una honrosa retirada
Nuestro destino estaba sellado
Mis padres sin embargo, despreciaron la amenaza
“Parece que va a llover” fue el único sobresalto
Sin perder la compostura, mantuve mi lugar en la ventana
Como un mariscal en la colina, evalué el movimiento de las tropas
La caída era inminente
El ejército sin piedad atacaba
Trepaban las murallas,
Incendiaban de matices el paisaje tras su marcha
El perfume impiadoso, ya me dominaba
Entonces empezó a amanecer
Una a una las flores comenzaron a encorvarse
La retirada se hizo fuga; la fuga pánico
Para el mediodía, el perfume no era más que un lejano manto de gasas
y el peligro por fin se evaporó
Manteniendo la posición en la ventana,
estudié la situación
Sin éxito intenté contar las bajas
La luz me deparó, un campo sembrado de manchas
Cuerpos que por la noche habían sido belleza
Pensé entonces en el dulce vértigo
de ser puros y culpables a la vez
En el rojo que en un atardecer le roba
el cielo
al descuido de un infierno
Inclusive la arena que entorpece un mecanismo,
se convierte en perla en el alma de una ostra
Esa noche, corrí temprano a mi cama
Con algo de suerte, la oscuridad, la Luna y las sombras,
me regalarían otra fantástica batalla.
Autor: Néstor De Luca
Fue una noche
El trueno llegó después
Y la casa tembló
Lo abarcó todo, envolviendo cimientos, muebles, tazas y recuerdos
Los que permanecían despiertos, vieron que el lugar se iluminaba
Los que ya dormían, supusieron que el estruendo y la luz,
eran el primer acto de una pesadilla olvidada
Pero sin lugar a dudas, el perfume llegó antes que nada
Todos en la casa coincidieron
Un penetrante ahogo; una dulce asfixia
Resignados, lamentando no poder dejarnos
llevar
por esas caricias parientes de la muerte,
saltamos de nuestros lechos, corrimos hacia las ventanas
Y allí estaban. Invadiendo todo el jardín, las vimos
Impactantes. Con la arrogancia de un ejército bárbaro
rodeándolo todo con sus colores teñidos de furia
Apuntando con sus pétalos cargados de aromas
Provocándonos. Demostrando que habían llegado para arrasarnos
Ardiendo de formas, de éxtasis planeaban sitiar la casa
Y ese ejército de flores amarillas, morenas y rojas,
se extendía hasta el mismo borde de la noche
Y ese ejército de flores amarillas, morenas y rojas,
incendiando voluntades avanzaba
Nos tomaron por sorpresa
si por la tarde, yo mismo había estado jugando sobre esas matas
Traición hermosa, de colores y fragancias
Pero ya era tarde para una honrosa retirada
Nuestro destino estaba sellado
Mis padres sin embargo, despreciaron la amenaza
“Parece que va a llover” fue el único sobresalto
Sin perder la compostura, mantuve mi lugar en la ventana
Como un mariscal en la colina, evalué el movimiento de las tropas
La caída era inminente
El ejército sin piedad atacaba
Trepaban las murallas,
Incendiaban de matices el paisaje tras su marcha
El perfume impiadoso, ya me dominaba
Entonces empezó a amanecer
Una a una las flores comenzaron a encorvarse
La retirada se hizo fuga; la fuga pánico
Para el mediodía, el perfume no era más que un lejano manto de gasas
y el peligro por fin se evaporó
Manteniendo la posición en la ventana,
estudié la situación
Sin éxito intenté contar las bajas
La luz me deparó, un campo sembrado de manchas
Cuerpos que por la noche habían sido belleza
Pensé entonces en el dulce vértigo
de ser puros y culpables a la vez
En el rojo que en un atardecer le roba
el cielo
al descuido de un infierno
Inclusive la arena que entorpece un mecanismo,
se convierte en perla en el alma de una ostra
Esa noche, corrí temprano a mi cama
Con algo de suerte, la oscuridad, la Luna y las sombras,
me regalarían otra fantástica batalla.
Autor: Néstor De Luca
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